Un plan peut faire la différence

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2019-07-30T11:59:00.014+02:00

Dernière Analyse (Disponible depuis le mercredi 21/07/2010)

Me, Myself & Irene
- Bobby et Peter Farrelly
- 2000
- (par O'Brian)

Toutes les analyses de la plus récente à la plus ancienne :

Basic instinct
- Paul Verhoeven
- 1992
- (par O'Brian)

Bowling for Columbine
- Michael Moore
- 2002
- (par O'Brian)

Aliens
- James Cameron
- 1986
- (par O'Brian)

Lawrence d'Arabie
- David Lean
- 1962
- (par O'Brian)

I, Robot
- Alex Proyas
- 2004
- (par O'Brian)

Terminator
- James Cameron
- 1984
- (par O'Brian)

SE7EN
- David Fincher
- 1995
- (par O'Brian)

Psychose
- Alfred Hitchcock
- 1960
- (par O'Brian)

Transformers : Revenge of the Fallen
- Michael Bay
- 2009
- (par O'Brian)

Sixième Sens (The Sixth Sense)
- M. Night Shyamalan
- 1999
- (par O'Brian)

Conversation(s) with other women
- Hans Canosa
- 2005
- (par O'Brian)

Free Zone
- Amos Gitaï
- 2005
- (par O'Brian)

La corde (Rope)
- Alfred Hitchcock
- 1948
- (par O'Brian)

Lost (Lost, les disparus)
- J. Lieber, J.J. Abrams et D. Lindelof
- 2004 - 2010
- (par O'Brian)

Ghostbusters (S.O.S. Fantômes)
- Ivan Reitman
- 1984
- (par O'Brian)

Armageddon
- Michael Bay
- 1998
- (par O'Brian)

X-Men
- Bryan Singer
- 2000
- (par O'Brian)

Sunshine
- Danny Boyle
- 2007
- (par O'Brian)

Doom
- Andrzej Bartkowiak
- 2005
- (par O'Brian)

Spider-Man
- Sam Raimi
- 2002
- (par O'Brian)

The Bourne Ultimatum (La vengeance dans la peau)
- Paul Greengrass
- 2007
- (par O'Brian)

Ghostbusters (S.O.S. Fantômes)
- Ivan Reitman
- 1984
- (par O'Brian)

The Matrix (Matrix)
- les frères Wachowski
- 1999
- (par O'Brian)

The Natural (Le Meilleur)
- Barry Levinson
- 1984
- (par O'Brian)

Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal
- Steven Spielberg
- 2008
- (par O'Brian)

Friday the 13th (Vendredi 13)
- Sean S. Cunningham
- 1980
- (par O'Brian)

Batman returns (Batman, le défi)
- Tim Burton
- 1992
- (par O'Brian)

Predator
- John McTiernan
- 1987
- (par O'Brian)

Me, Myself & Irene

2010-07-21T08:00:00.010+02:00

PRISE : 029

FILM : Me, Myself & Irene

DATE : 21 juillet 2010

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné aujourd’hui parle de dédoublement de personnalité. Un personnage naturellement trop gentil et abusé de tous, finit par péter un plomb et se crée, sans le vouloir, un alter ego hardcore capable de remettre les pendules à l’heure. Contrairement à Sir Alfred, qui utilisait la Psychose pour concevoir un film flippant, celui-ci surfe de l’autre côté de la même vague pour créer un film poilant.

Je veux évidement parler de :

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Me, Myself & Irene (ou Fous d’Irène dans la langue d’Elie Semoun) est une comédie datant de 2000, réalisé par Bobby et Peter Farrelly sur un scénario de Bobby et Peter Farrelly et Mike Cerrone et avec Jim Carrey et Renée Zellweger.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Me, Myself & Irene (IMDB)

Le film le plus connu et apprécié des frères Farelly semble être Mary à tout prix (There's Something About Mary - 1998) mais, même si ce vaudeville comporte plein de bonnes idées, je préfère largement Me, Myself & Irene. Cette histoire de double personnalité comporte un haut degré cathartique grâce au personnage de Hank, alter ego totalement débridé et politiquement incorrect, traversant le récit en enchaînant les actes aussi extrêmes que jouissifs.

L’énergie débordante de Jim Carrey est parfaitement employée par les réalisateurs (ce qui est loin d’être toujours le cas) et sa prestation mérite une bonne place au panthéon des performances comiques cinématographiques.

Mais ce n’est pas le sujet de cet article…

Le plan faisant la différence sélectionné ici n’existe étonnement pas vraiment au montage. Il joue avec l’imagination des spectateurs et s’amuse à lui montrer quelque chose qui n’est pas réellement filmé grâce au phénomène d’association d’idées.

Association d’idées ? Kézako ?

Lorsque l’on présente deux images successives à l’œil humain, notre imagination se saisit de ces deux images distinctes pour les transformer en une idée unique. Notre expérience personnelle nous apprend (ou non) que quelque chose se trouve entre ces deux images.

En réalité, notre cerveau cherche toujours un lien logique entre deux images, que l’on ait ou non le bagage nécessaire pour trouver une relation est secondaire. Pour ce faire, il extrapole souvent… et va au plus simple.

Au cinéma, il est par exemple possible d’utiliser ce phénomène lors d’une ellipse.

Celle qui nous intéresse est visible à 21’50’’ du début de ce film. Voici le déroulé du passage en question :

Jim Carrey marche en direction de la pelouse de son voisin…

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… déboutonne son pantalon devant ses yeux…

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… baisse son froc et son slip…

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… se met dans une position assez explicite…

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… un gros plan sur le visage de Jim montre qu’il pousse…

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… un étron marron glisse verticalement…

A noter : il existe une transition sonore entre Carrey continuant de pousser et ce nouveau plan.

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Et là, tout le monde se dit “pouaahhhh, mais c’est dégueulasse !!”

Sauf que voilà, une ellipse a eu lieu entre les deux dernières images…

L’instant d’après, la caméra dévoile quelque chose de tout à fait différent…

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Non mais où aviez-vous la tête ? Ce n’était qu’une innocente glace au chocolat voyons !

Malgré tout, l’association d’idées première reste plus forte et les frères continuent d’exploiter leur connerie en s’amusant avec le public…

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…car lorsque le Ranger déguste la glace, les spectateurs continuent d’être dégoûtés !

Je me souviens encore de cet instant lorsque j’ai découverts le film en salle à sa sortie. L’effet fonctionne à plein régime ! Tellement que peu ont pigé le dialogue suivant dans l’action (alors autant le concevoir comme un dialogue sans importance), trop occupé à ~~vomir~~ rire.

Ce genre de procédé donne l’occasion aux spectateurs de faire travailler leur imagination. Celui-ci se rend compte, dans un deuxième temps, qu’il était actif et généralement, c’est un point particulièrement positif pour lui : on joue avec lui et il adore ça, le bougre !

L’humour est basé sur le fossé entre l’attente et le résultat ; entre l’image imaginée et l’image réelle. Plus l’écart est grand et plus le potentiel comique est important.

Petite note un peu plus techniques pour expliquer le procédé d’une autre façon :

Ce plan présente un changement de « scène à scène » (contenu éloigné dans l’espace et le temps). Cependant, il est monté de sorte à nous faire croire à un changement de « sujet à sujet » (changement de focalisation à l’intérieur du même thème dans une même scène). En fait, nous croyons à un enchaînement de sujet à sujet mais il se révèle être un enchaînement de scène à scène. De la réussite de cette surprise dépend la réussite de l’effet.

Aussi différents soient-ils, les plans entretiennent toujours un rapport entre eux pour le spectateur. Comme en BD, une alchimie opère toujours entre deux plans et nous fera trouver un sens au rapprochement le plus discordant.

Quand le monteur fait suivre deux plans distincts, il dote leur liaison d’une indenté intrinsèque et force le spectateur à les considérer comme un ensemble. Aussi distinctes qu’elles aient pu être, elles constituent désormais un seul organisme.

L'enchaînement présenté ici s’amuse aussi avec plusieurs sens. Il n’est pas seulement logique et intellectuel. La déduction faite est même très basique. Outre la vue, il va faire appel à l’odora et enfin au goût.

Le lecteur averti saura que certaines parties de cet article calquent un chapitre de l’excellent « L’art invisible » de Scott McCloud.

J’aimerais d’ailleurs rappeler à certains critiques que si la BD cultive l’art de l’ellipse de façon très large et « qu’il se passe beaucoup de choses entre les cases », c’est également le cas au cinéma ! Il suffit d’utiliser le mot « plan » au lieu de « case » dans la phrase. Fallait y penser…

Si en BD notre esprit rempli le caniveau (nom donné à l’espace souvent blanc situé entre deux cases), au cinéma, il le fait sans cet espace physique. Ce n’est pas parce que ce procédé est moins utilisé au cinéma qu’en BD et que la participation du spectateur est moins forte que celle du lecteur, qu’il n’existe pas !

La preuve ici avec cette petite comédie.

Le montage est un outil d’une puissance énorme, tout le monde vous le dira. Le principe d’association d’idée étant automatique chez l’humain à partir d’un certain âge, il est possible de s’amuser avec de temps à autres pour ajouter de nouvelles idées (souvent du registre de la comédie mais pas « que ») basées sur « du vent ».

Alors réfléchissez un peu en positionnant vos scènes ou séquences les unes après les autres, on ne sait jamais, vous pourriez ajouter du sens à votre œuvre.

Note importante : il est évidemment possible d’ajouter du sens sans s’en rendre compte si l’on ne réfléchit pas bien son montage… et ça, c’est souvent très mauvais genre.

Basic instinct

2010-02-24T11:00:00.000+01:00

PRISE : 028

FILM : Basic instinct

DATE : 24 février 2010

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné aujourd’hui est réalisé par l’un de mes réalisateurs préférés ; un artiste génial que les français, adeptes du bon mot facile, ont souvent surnommé : « le Hollandais Violent » (en référence au Hollandais volant, pour ceux qui n’auraient pas pigé la « blague »).

Au-delà de son charismatique géniteur, ce chef d’œuvre un peu CULte sur les bords (pardonnez-moi d’être un français moyen appréciant les jeux de mots douteux…) a aussi permis d’ajouter une nouvelle arme au panthéon des plus emblématiques armes cinématographique : le Pic à glace (symbole phallique évident pour les deux du fond qui dorment) !

Je veux évidement parler de :

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Basic instinct est un thriller policier sexy datant de 1992, réalisé par Paul Verhoeven sur un scénario de Joe Eszterhas et avec Michael Douglas, Sharon Stone et Jeanne Tripplehorn.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Basic instinct (IMDB)

Une fois n’est pas coutume, cet article va correspondre parfaitement au titre du film et satisfaire les instincts les plus basiques des lecteurs.

En effet, je vais vous parler d’un nouveau type de plan... assez puissant pour lancer une carrière !

Celui-ci est extrait d’une scène narrative magnifique, renforcée par un très bel éclairage : l’accusée est dans la lumière et les accusateurs sont dans l’ombre.

Mais comme vous vous foutez un peu de ce genre de broutilles pour le moment, ne perdons pas de temps et passons au plan en question :

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Le fameux « décroisement de jambes de Sharon Stone » est sans aucune doute LE plan le plus important de toute la carrière de l’actrice. Il en a fait couler du sp… heu, de l’encre !

Ce simple cadrage de voyeur réussit à lancer un buzz hallucinant et propulsa la belle blonde sur toutes les couvertures de magazines, en digne héritière d’une certaine Norma Jean Baker, rien que ça !

Pourtant, force est de constater que ce film regorge de plans érotiques très léchés (encore désolé, c’est dans mes gènes…)… mais il faut croire que celui-ci était le plus coquin de tous, le plus iconique, le plus fantasmatique.

Et puis, il fallait passer la vitesse supérieure, les seins nus de Sharon étant de l’histoire ancienne car déjà dévoilés par Saint Paul dans son film précédent : Total Recall. D’ailleurs, jamais quelqu’un n’aura aussi bien filmé Sharon que Paul. Son incroyable beauté dans Total Recall en est une preuve flagrante.

…

Je sens que vous avez envie d’en avoir la preuve…

Pas la peine de chercher très loin dans le film, la scène arrive à la 3eme minute :

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A l'époque de Total Recall, Sharon portait encore la culotte... contrairement à Arnold.

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Mais revenons à Basic Instinct...

Et pourtant… et pourtant… et pourtant…… la miss Sharon Stone, submergée par le tsunami médiatique d’une époque dénuée d’Internet, rejeta son décroisement de jambes en bloc, créant ainsi, sans forcément le vouloir, une polémique n’ayant fait qu’augmenter son impact !

Vous en avez peut-être entendu parler d’ailleurs (que celui à qui j’apprends quelque chose ici se dénonce !).

La ligne de défense de la « malheureuse » Sharon était, en gros, la suivante : « Je ne savais pas qu’on allait voir ça. ».

… tout comme elle ne savait certainement pas qu’elle ne portait pas de culotte. =^.^=

Dans un sens, il aurait été plus malin de dire que c’était un effet spécial rajouté en post prod, un bon petit montage trompeur comme les jambes de Julia Roberts dans Pretty Woman…

Mais non, Sharon a longtemps expliqué qu’elle ne savait pas ce qu’on allait voir à la caméra…

Est-ce crédible mon cher Watson ?

Pour répondre à cette question, je laisse la parole au commentaire audio de Paul Verhoeven et Jan de Bont, son directeur de la photographie, audible depuis le DVD collector du film :

Paul Verhoeven : Voilà le fameux plan. Est-il vrai qu’au moment du gros plan, je n’étais même pas là ?
Jan de Bont : Je m’en souviens plus. Ce que les gens me demandent c’est si je savais ce qu’on verrait. Alors écoutez, quand on met la caméra entre les jambes de quelqu’un en ayant un peu de lumière, on est sûr de voir quelque chose ! Non non, tu étais bien là.
PV : En plus, on avait constamment un retour vidéo et elle a vérifié les plans.
JdB : Mais en vidéo, on ne voit pas très bien.
PV : Enfin, je pense que tout ça n’est plus un problème pour elle car elle sait que c’était essentiel pour le film.
JdB : Qui plus est, ça a créé autour d’elle est énorme publicité. C’était très positif. C’est un peu ce plan qui a fait d’elle une star !
PV : Mais c’est aussi son contrôle sur la situation qui fait ce plan l’expression de sa domination absolue.
JdB : C’est ce qui rend ce plan nécessaire, qu’elle ait voulu le faire ou non. Il était essentiel qu’on ait ce plan.

NOTE : Je vous recommande l’écoute de n’importe quel commentaire audio (et, par extension, la majorité des interviews) de Paul Verhoeven tant ce personnage n’a pas sa langue dans sa poche et est passionné par son métier.

Histoire de récompenser les lecteurs ayant atteint ce point de l’article, voici un plan un peu plus serré suivant le précédent au montage.

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Il n’y a donc pas un mais bien deux cadrages différents pour ce même passage. Le montage parle de lui-même, non ? Comment voulez-vous faire croire une seule seconde aux spectateurs que vous n’étiez pas au courant de ce qui se passait ?

Allons… Evidemment qu’elle le savait ! Je ne vais pas vous saouler plus longtemps avec cette question tant c’est évident.

Tout ça pour dire, en résumé, qu’un seul plan bien choisi peut changer la vie d’un acteur et ajouter un buzz plus puissant que n’importe quelle campagne médiatique. Ça vaut le coup de se creuser la tête, non ?

PS : Ah oui, ce film a une suite en forme de nanar où Sharon est un peu trop siliconée. Je vous conseille d’éviter de perdre votre temps devant cette bouse ou juste la regarder en accéléré pour les plus pervers.

Bowling for Columbine

2010-01-13T11:00:00.001+01:00

PRISE : 027

FILM : Bowling for Columbine

DATE : 13 janvier 2010

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné aujourd'hui est aussi fort que drôle.

Il comporte du réel, de la fiction, du dessin animé et a mis en lumière son charismatique réalisateur à l’allure beauf, sa grande gueule et ses méthodes parfois contestables.

Auréolé d’un Oscar, ce dernier poussa la polémique jusqu’à se faire censurer son discours lors de la prestigieuse cérémonie.

Je veux évidemment parler de :

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Bowling for Columbine est un documentaire pamphlétaire datant de 2002, écrit et réalisé par Michael Moore et avec Michael Moore, George W. Bush, Charlton Heston et Marilyn Manson.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Bowling for Columbine (IMDB)

Pour moi, Bowling for Columbine est le meilleur des films de Michael Moore que j’ai eu l’occasion de visionner. Il sait allier le divertissement à l’information, est blindé d’idées narratives et développe en profondeur un sujet délicat sans prendre de gants.

Mais parmi toutes ces très bonnes choses se cache un moment très critiquable. Un passage durant lequel Michael Moore va un cran trop loin dans sa méthode de travail. Une scène où il alterne, via un montage classique « Champ / Contrechamp », des images documentaires et des images fictionnelles… le tout sans laisser au spectateur la possibilité de s’en rendre compte.

Cette scène se trouve à la fin du film. Elle représente les derniers instants de la rencontre entre Michael Moore et Charlton Heston.

Observez bien les différents plans la formant :

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Charlton Heston se retire…

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… mais est rappelé par Michael Moore…

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… lui présentant la photo d’une petite fille désormais décédée.

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Mais Charlton s’en fiche et continue son chemin.

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Michael insiste.

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Il brandit la photo le regard triste…

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… mais Charlton disparaît pour de bon…

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… laissant le malheureux Michael seul avec sa photo.

Ce passage tire sur la corde sensible des spectateurs. Bon sang, mais quel enculé ce Charlton Heston ! Le gentil Michael Moore était devant lui avec de beaux yeux de chien battus, l’implorant de poser un regard sur le visage de cette petite fille mais ne reçus que du mépris…

Du coup, Charlton laisse Michael seul dans sa maison sans même le raccompagner vers la sortie.

Attendez une seconde…

Charlton Heston est un homme flippé. Il vient d’expliquer il y a quelques instants à Michael Moore qu’il possédait des armes pour se défendre d’une potentielle invasion à l’intérieur de sa maison… mais laisserait un inconnu lui voulant visiblement « du mal » (enfin, à son image, pas physiquement) seul dans sa maison et sans surveillance ?

Personnellement, j’ai beaucoup de mal à saisir sa logique…

Normal, il y a une arnaque.

Regardez à nouveau cet enchaînement de plans :

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Ne remarquez-vous pas quelque chose d’étrange, de perturbant ?

Où sont cachés les deux caméramans indispensables pour filmer ces deux axes en même temps ?

Vu les angles de ce « Champ / Contrechamp », ils devraient obligatoirement apparaître dans le plan de l’autre.

Conclusion : cette scène, censée se dérouler en « direct live », a été tournée à deux instants distincts.

Du coup, le spectateur est en droit de se demander où s’achève le documentaire (plan sur Charlton) et où commence la fiction (plan faisant la différence sur Michael).

Mais ce « petit problème » va un cran plus loin.

Pour être raccord avec les images, la voix de Michael Moore (couvrant l’intégralité de ce montage de deux plans) fut obligatoirement enregistrée lors de la seconde prise, quand la caméra était tournée vers lui.

Alors, est-ce que Charlton Heston a bien entendu ces mots ?

Rien ne le prouve.

La scène a très bien pu se dérouler de cette façon lors du tournage du premier plan :

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Et on pourrait parfaitement nous faire croire qu’elle s’est déroulée comme ça :

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Vous voyez ce que je veux dire ?

Il est possible de dire tout et n’importe quoi grâce à un montage habile. Un plan aussi anodin qu’un contrechamp peut remettre en question l’intégrité, voire l’intégralité, d’un documentaire.

Attention donc à ne pas en abuser…

Aliens

2009-12-09T09:34:00.005+01:00

PRISE : 026

FILM : Aliens

DATE : 09 décembre 2009

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné aujourd’hui reste, 23 ans après sa sortie et malgré les avancées technologiques en matière d’effets spéciaux, le meilleur film de Space Marines jamais réalisé.

Une preuve de plus, s’il en était besoin, de l’importance du scénario et de la réalisation (plus largement, de la narration) sur la technique pure et simple…

Mais attention, la donne risque de changer très vite. Un autre film ayant pour personnages principaux des Space Marines va bientôt sortir dans le monde entier… et il est extrêmement prometteur (je croise les doigts et le reste : s’il vous plait faites qu’il soit vraiment bon !!!!!!!) !!

Son titre : Avatar.

Honte à tous les réalisateurs américain de SF des deux dernières décennies ; l’auteur de ces deux films, en plus d’être canadien, est le même : l’indétrônable James Cameron.

He’s back pour mettre une claque à tout le monde… y compris à lui-même ! En guise de piqûre de rappel, il a même réembauché à bort de son Avatar l’actrice principale du film dont je vais vous parler aujourd’hui.

Il s’agit évidement de :

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Aliens (ou Alien, le retour dans la langue des mecs qui ne prononcent pas les « S ») est un film d’action-science-fiction datant de 1986, réalisé par James Cameron sur un scénario de James Cameron d’après une histoire de James Cameron, David Giler et Walter Hill et des personnages créés par Dan O'Bannon et Ronald Shusett et avec Sigourney Weaver, Carrie Henn, Michael Biehn, Lance Henriksen, Paul Reiser et Bill Paxton devant la caméra.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Aliens (IMDB)

Question : Connaissez-vous la différence entre une Version Longue et une Version Courte ?

…

Réponse : Il y a plus de choses dans la longue.

La plupart du temps, cette blague douteuse est l’unique vérité cachée derrière celle, plus mercantile, du marché des galettes cinématographiques.

Les éditeurs ajoutent quelques plans supplémentaires (parfois seulement quelques secondes et, quand on a de la chance, quelques minutes) histoire d’obtenir le droit moral d’écrire « Version Longue » sur leur packaging.

Parfois ils ont même l’accord du réalisateur et éditent fièrement la version qu’ils ont refusé de diffuser au cinéma. Vu que cette dernière s’est souvent ramassée lamentablement, leur incompétence se transforme en argument commercial, offrant au public un « Director’s cut ». Cette appellation d’origine contrôlée est également très utile pour réussir à vendre des « versions courtes », ce qui arrive rarement mais s’est déjà vu.

Parfois, ils ajoutent un bout de sein par-ci, un membre coupé avec plein de sang par-là et obtiennent une magnifique version « Unrated ».

Et quand on veut en mettre plein la gueule niveau marketing on fait un petit panaché avec la fabuleuse « Version longue Director’s Cut Unrated » !! FUCK YEAH !!!

Mais, vous savez quoi… dans le monde réel, il arrive souvent qu’une scène coupée mérite de l’être. Enfin, quand on a un bon monteur…

Cependant, là où, chez la majorité des réalisateurs, on se retrouve avec du blindage inutile narrativement, chez un artiste comme James Cameron, ça va généralement plus loin.

J.C. est un habitué des versions longues. Il en existe une pour quasiment tous ses films. Certaines d’entre elles sont disponibles à la vente… renvoyant la version courte aux oubliettes.

• Celle de Terminator n’a jamais été montée officiellement et pour cause, il en a recyclé plusieurs passages pour concevoir Terminator 2.

• Celle de The Abyss est extraordinaire. Ce véritable cas d’école méritera certainement un jour un article sur ce blog.

• Celle de Terminator 2 n’est pas la plus utile mais apporte des idées intéressantes (dont certaines seront reprises dans le Hulk de Ang Lee, si, je vous assure) et améliore même un problème de rythme de la version courte.

• Celle de True Lies est encore dans un tiroir pour une sombre raison. James a décidé, entre autres, de couper toute une intrigue secondaire développant la relation entre Arnold et sa fille. Il est à noter que, selon Schwarzy, elle renferme sa meilleure scène de comédie jamais tournée (ne comprenez surtout pas le mot « comédie » dans le sens « comique », on parle du jeu d’acteur là). Si quelqu’un possède cette version, je suis preneur…

• Titanic en avait évidemment une mais le succès SURPRISE et historique du film changea la donne. Vu les scores, le King of the Word a décidé, et bien lui en a pris, qu’il insulterait son public et risquerait même de se décrédibiliser en présentant une version « encore plus mieux ». Mais le DVD présente un paquet de ces scènes coupées. A vous de monter le film dans votre tête… ou réellement, pour les plus courageux.

• Selon les rumeurs, Avatar présentera un nouveau cas d’école (décidément) puisque les deux versions sortiront simultanément au cinéma (la courte en IMAX et la longue pour les autres). Cela proviendrait, a priori, d’un problème technique lié à la longueur maxi des films diffusés en IMAX… Mais rien ne prouve que Jim ne dispose pas d’une version « encore plus longue » dans ses cartons. L’avenir nous le dira.

Edit : Finalement, le montage d'Avatar est le même dans tous les formats et à mon avis il y a plusieurs raisons à cela.

La première est expliquée par James en personne : "Le film a la même durée dans tous les formats, car la durée maximale que puisse supporter un projecteur Imax étant de 2h40, je ne voulais pas léser les spectateurs de ce format-là en leur proposant un montage plus court que celui projeté en CinemaScope dans les salles normales. Et je voulais d'autant moins les léser que j'estime que, pour profiter au maximum du spectacle et pour avoir réellement l'impression d'être dans le film, la projection en Imax 3D est la meilleure solution."

Une autre raison probable surfe sur la rumeur des problèmes de délais pour livrer tous les plans. En décidant de ne pas terminer la version longue tout de suite, le planning se sent miraculeusement mieux.

Mais en attendant d’atterrir sur Pandora, restons dans l’espace où personne ne nous entend crier.

On a tendance à l’oublier mais la grande Sigourney Weaver, éternelle Ellen Ripley, fut nominée à l’Oscar de la meilleure actrice pour son rôle dans Aliens. Et je vous mets au défi de me trouver un exemple similaire…

Sincèrement, c’est un exploit quand on pense qu’il s’agit d’un film de SF (genre généralement boudé des récompenses prestigieuses, comprendre « non techniques ») à la sauce patate commando boom boom bang bang où des lascars bad ass armés jusqu’au dents sont envoyés dans l’espace pour défourailler et se faire découper par des bestiolles extra-terrestres.

En toute objectivité, Aliens possède un parfait pitch de série B, voire Z, façon Roger Corman, ou bien pire que ce grand monsieur : Paul W.S. Anderson ou Uwe Boll.

Mais heureusement, l’ami James a traité son sujet avec beaucoup de rigueur et totalement au premier degré pour crédibiliser son univers. C’est donc l’inverse de l’intéressant Starship Troopers de l’excellent Paul Verhoeven, autre film de Space Marines adapté d’un livre ayant inspiré Aliens à Cameron : « Étoiles, garde-à-vous ! » de Robert A. Heinlein (à Hollywood, rien ne se perd, tout se remake). En effet, Starship Troopers est tellement cynique et second degré qu’il relève plus de la comédie noire ou de la parodie… Ne vous y aventurez pas sans avoir emmené votre sens de l’humour avec vous.

Pour Aliens, il faut également noter un manque de moyens inversement proportionnel à l’ampleur du projet (le film a coûté « seulement » 18 millions de dollars).

Imaginez… durant la production du film, Big Jim disposait seulement de 8 costumes d’Aliens en plastoc* pour simuler une armée de créatures.

* : Je ne suis plus certain du nombre de costumes mais, de mémoire, c’était pas loin de ça. C’est d’ailleurs pour cette raison qu’aucun plan du film ne contient plus de 8 Aliens d’un coup..

Force est de constater que la suspension d’incrédulité fonctionne à plein régime : pour tous les spectateurs, la colonie Hadley's Hope située sur la planète LV-426 est littéralement infestée de Xénomorphes.

Passons les petites anecdotes pour récupérer la ligne directrice de ce blog. Aliens, suite de Alien, est un exemple flagrant de version longue supérieure narrativement, psychologiquement et viscéralement à sa version cinéma… déjà exceptionnelle !

Parmi les scènes supplémentaires se trouvent, entre autres, un passage très succinct mais relevant du fantasme de geeks : la présentation de l’armement des Space Marines.

Par extension, plusieurs autres scènes montrant l’utilisation des sentinelles radar déchirent tout.

On en avait rêvé, Iron Jim l’a fait.

Vous avez dit culte ?

Mais une autre scène coupée apporte une information capitale. Avec elle, la vision du reste de film et le parcourt de Ripley gagne en profondeur et en crédibilité.

Roulement de tambour…

… Ripley a une fille !

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La photo présentée sur ce plan est celle d’Amanda Ripley, fille d’Ellen… même si elle est physiquement plus vieille que sa mère.

Pour comprendre ce paradoxe temporel (décidément apprécié du cinéaste) il faut se référer à la fin du premier Alien, quand Ripley se retrouve allongée dans un caisson d’hypersommeil à bord d’une capsule de survie dérivant dans l’espace…

Entre le final du premier film et le début du second, 57 ans se sont écoulés. Grâce à l’hypersommeil, Ripley n’a quasiment pas vieillie… contrairement à sa fille, restée sur Terre.

Lors de cette scène, la « jeune » mère apprend que sa fille est morte il y a 2 ans, âgée de 66 ans, sans laisser d’enfant derrière elle. Histoire de bien enfoncer le clou, nous apprenons que Ripley avait promis à sa fille de rentrer pour fêter son 11 eme anniversaire…

Et croyez-moi, une promesse non tenue est un très bon élément narratif pouvant crédibiliser d’importants changements psychologiques chez un personnage…

… comme accepter de retourner en enfer ou risquer sa peau pour sauver une petite fille.

Regardez l’image suivante. Il s’agit, pour moi, d’un « plan faisant la différence ».

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Ce gros plan du visage de la fille de Ripley caressé par la main gauche de sa mère, renferme à lui seul la thématique centrale du film.

Cette Préparation comporte plusieurs Paiements. Ce puissant mécanisme dramaturgique s’effectue en plusieurs temps.

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Lorsque Ripley trouve la petite Rebecca 'Newt' Jorden, elle l’apprivoise en la débarbouillant et en posant sa main gauche sur son front.

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Un peu plus tard, Ripley sauve Newt d’une mort certaine et la réconforte une fois de plus en posant sa main gauche sur son front. Le contact et la chaleur humaine sont évidemment très importants dans ces moments-là.

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Comme pour la photo de sa fille, nous avons droit à un gros plan du visage de Newt avec la main gauche de Ripley le caressant. Le premier cercle est fermé, leurs destins sont désormais profondément liés l’un à l’autre.

A la fin du film, Newt appellera d’ailleurs Ripley « Maman ». La mère ayant perdu sa fille et la fille ayant perdu ses parents se sont trouvés. Les deux personnages ont des traumatismes mais ils vont les affronter ensemble.

Tout ceci n’est pas le fruit du hasard mais celui d’une réalisation réfléchie et maîtrisée. La baston, c’est bien, mais avoir un cœur qui bat, c’est encore mieux.

Car derrière ses allures de spectacle bourrin, Aliens est un film sur la maternité ou l’instinct maternel, aussi bien chez Ripley que chez les Aliens.

Jim invente d’ailleurs un nouveau personnage très fort : la reine Alien, la mère, la pondeuse. Dans Aliens, les mères sont prêtes à tout pour défendre le fruit de leurs entrailles.

La preuve lors du final.

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La main de la mère Alien (métaphorisant n’importe quel « monstre » voulant du mal à nos proches) essaye d’attraper l’enfant (thématique que tout être humain peut comprendre dans ses tripes).

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Quelques instants plus tard, la main de l’Alien est sur le point de toucher la petite Newt.

Là, ça va chier !

Histoire de clarifier les choses et offrir une punchline explicite à Ripley, personnage habituellement tout sauf vulgaire, Cameron ajoute ce dialogue très cru : « Get away from her, you bitch! » ou « La touche pas, sale pute ! » en VF.

Le point de non retour a été dépassé.

Les deux « mères » n’ont plus qu’à s’affronter en combat singulier.

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Pas d’arme à feu. Ici, tout se règle les yeux dans les yeux à grand renfort de coups de poings dans la gueule !

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Cette fois, la main gauche ne caresse plus… elle bâche !

Contrairement à beaucoup de films didactiques où les bons et les méchants sont clairement des clichés unidimensionnels (surtout lorsqu’il s’agit de « film de monstre(s) »), Aliens brouille les pistes en donnant une légitimité aux créatures.

Les Aliens de ce film ne sont pas simplement des bestioles vicelardes s’amusant à bouffer de l’humain mais agissent toutes dans un seul but : préserver leur espèce. En gros, elles veulent vivre… ou survivre.

Pas de bol pour nous, leur mécanisme de reproduction implique la ponte d’une larve à l’intérieur d’un hôte. Cet hôte n’est pas obligatoirement humain mais… quand il n’y a personne d’autre, on fait avec ce qu’on a.

Comment leur en vouloir ? Je vous rappelle qu’elles ne sont même pas sur leur planète mère. Ce sont des exilés ! Les pauvres petits choupinous…

Alors… faut-il plaindre les Aliens ? Rassurez-vous, il n’y a pas de quoi sortir ses mouchoirs pour l’instant mais, dans un sens, c’est possible.

En tout cas, un bon réalisateur ou un bon auteur travaillant sur de telles bestioles doit réussir à les comprendre… à défaut de les accepter.

Un « simple » cadrage, un « simple » plan, peut porter en lui une grande partie de la thématique du film, expliciter la psychologie d’un personnage et avoir un écho très intéressant sur d’autres plans du même film…

… alors réfléchissez un minimum avant de dégainer votre caméra.

N’hésitez surtout pas à regardez les bonus de l’édition spéciale « Alien quadrilogie ». Cet excellent coffret est riche en matière d’anecdotes et sans langue de bois vu le nombre d’années du projet.

Il y a moyen de faire des tonnes d’articles d’après ces DVD… tout comme il y a moyen de se rendre compte, entre autres, du génie de James Cameron.

Lawrence d'Arabie

2009-11-18T08:56:00.000+01:00

PRISE : 025

FILM : Lawrence d’Arabie

DATE : 18 novembre 2009

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette fois-ci est considéré, à raison, comme l’un des chefs-d’œuvre du 7eme art. Visuel sublime, narration intéressante, personnage complexe, décors majestueux, musique exceptionnelle, etc. il fut d’ailleurs classé 5eme dans le Cliquez pour le découvrirTop 100 de l'American Film Institute datant de 1998… et mérite sa place.

Superproduction d’aventure épique ET drame intimiste (mélange a priori improbable), ce monument relatant des évènements ayant eu lieu durant la première guerre mondiale, nous entraîne dans une incroyable traversée du désert.

Je veux évidemment parler de…

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Lawrence of Arabia (Lawrence d’Arabie en VF) est un drame d’aventure introspectif datant de 1962, réalisé par David Lean d’après un scénario de Robert Bolt et Michael Wilson (validé en 1995 pour cause de blacksitage) d’après les écrits de T.E. Lawrence et avec Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn et Omar Sharif.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Lawrence d’Arabie (IMDB)

Aujourd’hui, ce n’est pas le fond qui m’intéresse mais bien la forme (quoi que…). Effectivement, le « plan faisant la différence » servant de fil rouge à cet article est d’une nature "physique" différente de tous les autres plans du film.

Comment cela est-il possible ?

Pour vous aider à réfléchir à cette devinette, le voici :

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Avant de donner la réponse, je vais vous laisser mijoter un peu en parlant un minimum du film…

Lawrence d’Arabie a gagné 7 Oscar sur 10 nominations en 1963 (Meilleur Film / Meilleur Réalisateur / Meilleure Photographie / Meilleur Direction artistique / Meilleur Montage / Meilleure Musique / Meilleur Son). Les 3 ayant laissé filer la précieuse statuette étant : Meilleur acteur pour Peter O'Toole, Meilleur second rôle pour Omar Sharif et Meilleur scénario adaptation pour Robert Bolt & Michael Wilson.

Ne me faites pas dire ce que je n’ai pas dit. Tous les films ayant reçu l’Oscar du meilleur film sont loin d’être recommandables, la célèbre récompense étant déjà revenue à de belles bouses intergalactiques. Mais quand un film continue à faire parler de lui après tant d’années au lieu de sombrer dans un oubli teinté de gène, il est rarement mauvais.

Alors… pourquoi passer à côté des classiques ?

D’autant que, malgré certaines apparences, Lawrence d’Arabie n’est pas qu’un film enchaînant les visions « carte postale » du désert…

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… mais une œuvre complexe reposant sur la psychologie torturée d’un personnage difficile à cerner : Thomas Edward Lawrence dit Lawrence d’Arabie.

A gauche, le vrai - A droite, l’acteur

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Si vous pensez que son côté « blockbuster hollywoodien » implique un film didactique pouvant se regarder tranquillos en baladant ses mains entre sa copine et un bon bol de loukoums, vous allez être gravement déçu.

Dès les premiers dialogues, la question centrale est posée : qui était vraiment T.E. Lawrence ?

La suite n’apportera pas de réponses concrètes et tranchées mais des pistes permettant aux spectateurs de se faire leur propre idée.

Brillamment interprété par Peter O’Toole dans le rôle de sa vie (ce qui est finalement assez triste puisqu’il s’agit d’un de ses premiers films et de son premier vrai grand rôle au cinéma…), le personnage de T.E. Lawrence est un homme en quête de lui-même, toujours à la frontière entre plusieurs mondes, plusieurs états psychologiques.

Une frontière naturelle raccord avec plusieurs thématiques du film.

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Mais l’objectif de cet article n’étant pas l’étude du film, je vous laisse partir à l’aventure chez votre dealer de DVD préféré et vous faire votre propre idée sur la question. La section « commentaires » sera heureuse de recevoir vos témoignages.

Revenons plutôt à nos dromadaires…

Le « plan faisant la différence » sélectionnée pour cet article (et, je le rappelle, physiquement différent de tous les autres du film) est visible à 1h 10m et 52s sur la version intégrale de 3h37.

Le revoilà :

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Alors, à votre avis, comment ce plan a priori anodin peut être physiquement entièrement différent des autres ?

Je laisse un homme s’y connaissant bien mieux que moi, Peter Newbrook (réalisateur de seconde équipe sur le film), vous donner la réponse :

« Il y a un plan ou O’Toole regarde en l’air et voit le soleil martelant le désert, le soleil au zénith, à midi, quand il cogne impitoyablement. David voulait filmer le soleil. Je ne sais pas combien de fois on a essayé. Ça brûlait l’émulsion. On essayait avec des filtres. En augmentant la vitesse. En fermant l’obturateur. Personne n’a jamais filmé le soleil. Le plan avec le soleil au zénith a été peint. C’est la seule chose artificielle du film. »

Un effet spécial donc ! Le seul du film !

A l’heure où la tendance s’inverse, je trouve l’anecdote intéressante.

J’imagine bien, dans quelques dizaines années, un « blogeur » du futur (enfin, quel que soit le nom donné à ce genre de créature), pondre un article présentant l’image d’un homme marchant dans une forêt en s’exclamant : « Oci 1croyabl ke ça puice parètr, se plan é le seul 100% vré 2 se film ! Le Dcor Xiste é l’akteur é 1 Um1 en chèr & en os... et C mem pr sa kil é pa vrémen conv1kan. »

Dit de cette façon, ça fait un peu flipper. Mais faut-il vraiment avoir peur ?

Génération après génération, diverses étapes symboliques sont régulièrement franchies au sein même des blockbusters hollywoodiens (sorte de fer de lance technique du cinéma mondial). Par exemple, les films muets sont devenus parlants, le mono est devenu stéréo, et le noir&blanc a pris de la couleur.

Actuellement, l’argentique se transforme en numérique, les fameuses 25 images par secondes se prennent une sérieuse claque dans les gencives, la 2D se transforme en 3D, j’en passe et des plus extrêmes.

Chaque nouvelle évolution a besoin de temps pour s’imposer. Les premières impressions sont souvent du rejet, du mépris face à ce nouveau « gadget » tout juste bon, selon les « bien-pensants », à nous éloigner de l’essence même de cet art.

L’homme est décidément très fort pour dénigrer ce qu’il ne connaît/comprend pas…

Mais, peu à peu, de nouveaux artistes réussissent à prouver que l’aspect « gimmick » du dit gadget reste l’apanage des mauvais. Chaque nouvelle étape offre aux plus talentueux une corde de plus à leur arc pour raconter des histoires en accord avec leur époque.

La technique doit être vue comme une alliée, pas comme une ennemie.

L’évolution technique du cinéma est aussi naturelle que normale. Ce moyen de communication a toujours reposé sur la perception d’une certaine réalité. Dois-je rappeler que l’homme ne perçoit pas un monde muet, en noir&blanc et en 2D ?

Alors… quelle est la prochaine étape ? Certainement quelque chose en relation avec les autres sens. L’odeur ? Le goût ? Le touché ?

L’objectif final serait-il de créer une sorte de… matrice ?

J’en sais rien… possible. A vous de voir.

En attendant la révolution technologique suivante, laissez-vous envahir par une bonne vieille vague d’images… « vraies ». L’avenir est certes prometteur mais il serait totalement idiot d’oublier les chef-d’œuvres du passé.

Chaque nouvelle étape est intéressante en elle-même quand un véritable artiste réussit à l’exploiter au maximum de ses capacités.

David Lean était l’un d’eux.

Si énumérer les plans magnifiques de Lawrence d’Arabie reviendrait à vous en présenter l’intégralité… je ne peux contenir l’envie de vous proposer un petit best of personnel.

Enjoy.

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Une belle nuit étoilée.

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Ce plan emblématique du film, où David Lean réussit à filmer un véritable mirage, mérite (peut-être encore plus que les autres) d’être regardé en mouvement.

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Evidemment, les tentes se trouvant au premier plan sont beaucoup plus détaillées que celles se trouvant en arrière plan… mais oui, tout est vrai !

Le « vrai » comporte d’ailleurs un intérêt majeur par rapport à l’effet spécial : il restera toujours crédible dans le temps. En effet, sa perfection naturelle ne comporte aucun lien avec l’évolution technologique.

Un film à effets spéciaux dispose quant à lui d’une durée de vie « bluffante » beaucoup plus limitée car la technologie évolue en même temps que l’œil du spectateur s’affûte. Force est de constater que la majorité des gros films bourrés d’SFX sont périmés visuellement au bout de quelques années, au mieux (il reste même souvent des effets « visibles » le jour de la sortie).

Tant que le « photoréalisme absolu » ne sera pas atteint, ça restera le cas. Nous nous en approchons lentement mais le chemin à parcourir dans certains domaines est encore très long…

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Ils se sont tirés sur la tête pour trouver les sites intéressant visuellement. A côté, des trucs comme « Stargate » ou « La Momie » (pourtant censés être renforcés par l’apport de trucages numériques) font peine à voir.

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Attaqué par un avion en plein jour dans un lieu désert… ça ne vous rappelle rien ? Merci tonton Alfred.

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A cette époque, il n’y avait pas de logiciel comme Massive pour blinder un décor de figurants virtuels…

Il est à noter que la gestion de la poussière lors des mouvements de foule fut une véritable galère.

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Un plan certainement apprécié de Peter Jackson.

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Voilà à quoi ressemble une véritable tornade dans le désert.

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Et en voici une autre pour la route.

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L’équipe du film souligne l’énorme prise de tête logistique pour conserver des traces dans le sable ou au contraire en enlever pour les besoins de certains plans. De nos jours, un petit coup de tablette graphique et abracadabra, y’a plus rien.

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Eh non… ce n’est pas une maquette ! Il est préférable de ne pas chier la prise…

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« Explosion d’un train (à l’échelle 1) devant une armée de figurants allongés au sommet d’une dune serpentant jusqu’à l’horizon. »

Je vous laisse imaginer la tête du producteur lisant cette simple phrase au cœur d’un scénario…

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Imaginez la galère logistique indispensable à la création d’un tel plan.

L’accent est évidemment mis sur Lawrence, au premier plan, perturbé, déchiré, le regard quasi dément observant la désolation laissée derrière lui (voir plan suivant) mais la composition de ce tableau s’amusant avec les différentes échelles, comprend également une caravane composée de centaines de figurants marchant vers l’horizon. De nos jours, un tel plan dans un blockbuster serait inévitablement composite.

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Une nouvelle composition magnifique digne, une fois encore, d’un tableau (contrechamp de l’image précédente).

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Un grand classique toujours aussi efficace. Je vous laisse revoir le final de « Indiana Jones et la dernière croisade » pour apprécier la référence.

Félicitations à ceux qui ont survécu à cet article et petit résumé des courses pour les deux du fond qui dorment : un film aussi grandiose et spectaculaire que Lawrence d’Arabie ne comporte qu’un seul effet spécial "optique", le « soleil au zénith ».

Gardez bien en mémoire cet article, il pourrait, avec beaucoup de chance, vous faire remporter un camembert au Trivial Pursuit…

Le tournage de ce film regorge d’anecdotes et je ne saurais trop vous conseiller l’écoute du commentaire audio présent sur le magnifique coffret DVD collector.

C’est évidemment grâce à lui que m’est venue l’idée de cet article…

I, Robot

2009-07-29T11:00:00.005+02:00

PRISE : 024

FILM : I, Robot

DATE : 29 juillet 2009

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette fois-ci gagne un pari difficile : être un blockbuster américain de SF grand public bien friqué mais tout de même réussi.

Il parle de vieux robots, de nouveaux robots, de robots méchants en fait gentils et de robots gentils en fait méchants… mais heureusement, Will Smith est là pour botter des culs et régler les bugs.

Je veux évidemment parler de…

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I, Robot est un film d’action science fiction datant de 2004, réalisé par Alex Proyas d’après un scénario de Jeff Vintar et Akiva Goldsman (d’après une nouvelle de Isaac Asimov) et avec Will Smith, Bridget Moynahan, Alan Tudyk et James Cromwell.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : I, Robot (IMDB)

Je trouve qu’I, Robot est un bon film, notamment pour la réalisation dynamique d’Alex Proyas et certaines questions soulevées (attention spoiler en Invisiotext) :

Le « méchant » du film, un ordinateur, exécute son plan diabolique uniquement pour respecter au mieux un ordre de ses programmeurs. Dans un sens, il le fait pour « le bien » des hommes.

Le rapport avec Bush (parce que le film est américain mais s’il était français je citerais volontiers notre cher président Nicolas Sarközy de Nagy-Bocsa) et son flicage de la population est visible : pour vivre heureux, vivons ultra protégés, privé de nos droits fondamentaux, etc.

Malgré cela, certains passages se voulant « grand public » abaisse le niveau. Par exemple :

l’insertion du personnage de Shia LaBeouf joué par Shia LaBeouf (le jeu de cette nouvelle star imposée par les studios est actuellement si varié qu’il donne l’impression, de film en film, de jouer toujours le même rôle.),
un refus du progrès via le personnage interprété par Will Smith un peu trop grossier par moments,
les placements pubs hyper trop visibles pour « Converse » et, dans une moindre mesure, « Audi »,
certains dialogues flirtant avec le « bon sens catho » et donc forcément casse-burnes,
l’insupportable mère de Will Smith.

Mais ceci n’a que peu de rapport avec le véritable sujet de cet article puisque j’utilise ce film pour vous parler de Champ / Contrechamp.

Puisqu’il y a des petits malins parmi les lecteurs de ce blog, voici une question subsidiaire : comment différencier un champ d’un contrechamp ?

Sachant que l’un est l’opposé de l’autre, on s’en fiche un peu…

Mais peut-être que le Champ est défini par le premier axe visible lors de la scène ou par l’axe comprenant le personnage central de ladite scène… ou celui dont l’amorce sur le partenaire est la moins visible, certainement pour mettre en valeur « la star » (voir plus loin)…

Bref, vous l’avez compris, j’en sais trop rien... Mais la section « commentaires » vous est ouvert pour éclairer ma lanterne.

La suite de cet article requerrant un minimum de connaissance technique, je vous propose un peu de théorie pour débutants en exposant grossièrement la Règle des 180°.

La Règle des 180° nous explique qu’il est préférable de filmer une scène en restant toujours du même côté d’une ligne droite imaginaire traversant le lieu de l’action.

Image tirée du site L’internaute.

Lors d’une scène de dialogue entre deux personnages, cette ligne imaginaire passe par les deux personnages. Les deux caméras doivent les filmer en mettant celui de face en valeur et celui de dos en amorce (souvent juste une épaule).

Par extension, une autre règle de bon sens explique qu’il est préférable d’avoir au minimum 30° entre les deux vues.

Le début de I, Robot nous propose quelques bons exemples pour illustrer cette règle.

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Champ sur l’insupportable mère de Will Smith avec une amorce sur l’épaule droite de Will. Contrechamp sur Will Smith avec une micro amorce sur l’épaule gauche de sa mère.

Ou dans cette autre scène :

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Champ sur une femme dans la rue avec une amorce sur l’épaule droite de Will. Contrechamp sur Will Smith avec une amorce sur le dos de la femme.

Vous remarquerez au passage que la valeur du Champ (Plan rapproché taille sur la femme) n’est pas obligatoirement équivalente à celle du Contrechamp (Plan américain sur Will Smith).

Même combat dans cette nouvelle scène :

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Champ sur un chauve avec amorce sur le profil gauche de Will Smith. Contrechamp sur un chevelu avec amorce sur l’oreille droite de la tête du chauve.

Ce nouveau Champ/Contrechamp prouve que l’effet fonctionne même ~~si l’un des deux personnages n’a pas de cheveux~~ lorsque les deux personnages ne sont pas face à face.

Note : Il est même possible, et souvent très utile, de changer de valeur de plans lors du même dialogue :

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Champ un peu moins séré sur un chevelu avec amorce sur l’oreille droite de la tête du chauve. Contrechamp sur un chauve avec amorce sur le profil gauche d’un chevelu.

Comprenons-nous bien, tout cela fonctionne mais reste très théorique. Un réalisateur habile saura trouver d’autres solutions.

Cependant, force est de constater que la majorité des échanges de dialogues se doivent d’être facilement lisibles par le spectateur pour éviter de réfléchir à autre chose qu’a leur contenu.

Alors pourquoi passer à côté des choses simples ? Juste pour « faire du style » ?

Bof, c’est moyennement intéressant…

Par contre, si un choix particulier d’angle de vue véhicule du sens, il ne faut pas se gêner !

Justement, un peu plus loin dans le récit, nous trouvons un duo de plans faisant la différence utilisant habilement l’effet Champ / Contrechamp.

Ceux-ci :

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Contrairement à tout ce que je viens de montrer, ~~les deux personnages sont de couleurs différentes~~ ce plan ne contient d’une part aucune amorce et d’autre part… les personnages sont filmés de face, donc directement sur la ligne des 180°, offrant un beau regard caméra.

Alors… Pourquoi s’amuser à briser soudainement les conventions si bien établies depuis le début du film ?

Assurément, ce choix de cadrage cache quelque chose…

Le spectateur attentif est donc « en alerte ».

La suite des images présente l’intégralité du montage composant cette scène :

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L’image suivante est de début du plan révélant le pourquoi de ce choix de réalisation. Il présente un Champ plus classique focalisé sur James Cromwell (le blanc en blanc) avec l’épaule droite de Will Smith (le noir en noir) en amorce.

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Surprise ! Le personnage interprété par James Cromwell est en deux dimensions !

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La fin de ce plan s’achève par un Contrechamp sur Will Smith avec une amorce sur James Cromwell. Son mouvement consiste donc à naviguer du Champ au Contrechamp.

S’en suit un échange de gros plans de face très utiles pour la suite car le visage de James Cromwell doit être parfaitement identifié par le spectateur.

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Début d’un nouveau plan séquence et d’une nouvelle révélation.

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L’hologramme disparaît.

Observez l’arrière plan. Ne croirait-on pas qu’il rentre à l’intérieur du corps allongé derrière ?

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L’hologramme continue sa disparition…

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… pour finir à l’intérieur d’un dispositif électronique rond posé au sol.

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Gros plan sur l’appareil au passage…

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… pour finalement révéler le cadavre de l’homme venant de nous parler via l’hologramme.

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Plan d’ensemble resituant l’action dans l’espace.

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Et pour finir, un gros plan sur le visage du mort (parfaitement présenté plus tôt) histoire d’être bien sûr de le reconnaître.

Si les règles sont faites pour être brisées, elles sont aussi faites pour être utilisées habilement. Alex Proyas n’en brise aucune ici mais joue avec ces codes pour véhiculer du sens, surprendre les spectateurs, les faire réfléchir… et donner une longueur d’avance aux plus attentifs d’entre eux.

Le « simple » choix des cadrages peut donc donner des informations très intéressantes au spectateur connaissant au minimum certains codes du cinéma.

Tout ça pour en arriver à la conclusion suivante : le cinéma se rapproche de la bonne bouffe, il faut « entraîner son palais » au fil des dégustations pour réussir à différencier la qualité de la grosse bouse intergalactique.

Connaître tous ces « trucs » narratifs ne gâche en rien le plaisir de la vision, bien au contraire. Par contre, plus on en sait et moins on apprécie les produits de basse qualité...

Terminator

2009-05-20T07:59:00.001+02:00

PRISE : 023

FILM : Terminator

DATE : 20 mai 2009

AUTEUR : O'Brian

Certains films, en plus de créer des personnages et un « univers », engendrent une véritable mythologie et deviennent des références. Dès lors, un simple mot sorti lors d’une conversation cinématographique renverra généralement les participants à l’œuvre en question.

Sur le mot « Espace » par exemple, Star Wars règne en maître depuis trois décennies (même si j’entends certains cinéphiles crier « 2001 » ou deux trois geeks se branlant la nouille en pyjama « Star Trek »).

Dans un même ordre d’idée, « Anneau » risque fortement d’être accompagné de « Seigneur » (et vice versa d’ailleurs).

Dans une moindre mesure, si le mot « pirate » va coller quelques temps à Johnny Depp et aux Caraïbes, « Sorcier » risque fortement de rimer avec Harry Potter…

Mais le mot « Cyborg » entraînera probablement la conversation sur un autre film…

Je veux bien sûr parler de :

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The Terminator (ou juste Terminator en VF) est un film de science fiction datant de 1984, réalisé par James Cameron sur un scénario de James Cameron et Gale Anne Hurd (avec la participation de William Wisher Jr. et Harlan Ellison) et avec Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton et Michael Biehn.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : The Terminator (IMDB)

Le plan faisant la différence sélectionné pour cet article est d’une nature singulière : contrairement aux autres, il n’a pas été engendré par le film mais a engendré le film…

Mais avant d’en parler plus en détail, je vous propose un petit voyage dans le temps pour revenir aux alentours de 1980/1981.

L’Histoire de Terminator débuta à Rome, en pleine postproduction d’un nanar nommé Piranha Part Two: The Spawning (ou plus simplement Piranhas 2) et dans lequel les vilains poiscailles possèdent des ailes pour croquer du touriste sur la terre fraîche.

Pour ceux qui l’ignoreraient, Piranhas 2 est le premier long métrage∗ de James Cameron, un petit gars que personne n’attendait et qui allait (et risque de continuer bientôt je l’espère) révolutionner le cinéma.

∗ Premier ? Vraiment ? Hum… Pas si simple puisque, vous le lirez un peu plus loin, le principal intéressé ne le voit pas de cet œil.

Pour être encore plus précis sur la genèse de Terminator, je laisse la parole à ~~Mister~~ Master Cameron himself (extrait d’une interview datant de 1986) :

J’ai eu l’idée de Terminator à Rome. Je passais mon temps à l’hôtel. J’étais malade, j’avais une forte fièvre. J’étais au lit, je réfléchissais, et ces images bizarres sont apparues.

Ces « images bizarres » furent posées sur le papier par le multi-talentueux J.C. (James Cameron, John Connor, Jésus Christ, même combat) de cette façon :

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Ces visions, présentant un robot sortant du feu devant un couple visiblement désespéré (futurs Sarah Connor et Kyle Reese), furent l’incident déclencheur d’un processus de réflexion complexe, généralement appelé « association d’idées », allant peu à peu mener au scénario du film tel que nous le connaissons.

Selon James Cameron, c’était un robot… mais avant, il était recouvert de chair humaine.

Hum… un cyborg donc…

Oui mais voilà, pour James, cette scène se déroulait de nos jours et entraîne un problème majeur : comment est-ce possible puisqu’une « chose comme ça » n’existe pas aujourd’hui ?

La réponse la plus « logique » fut de penser qu’il venait certainement du futur…

Mais pourquoi ?

A priori il en veut à ce couple…

Pourquoi cela ?

Et ainsi de suite…

James Cameron déclare à ce sujet (suite de l’interview datant de 1986) :

Comme j’étais moi-même dans une ville étrangère où je me sentais très isolé du reste du monde, il m’était très facile de m’identifier à ces deux personnages du futur qui étaient déphasés, décalés, déplacés.

J’avais toujours voulu faire une histoire de robot marquante parce que ça n’avait jamais été fait.

Force est de constater qu’il a réussi son coup.

Mais au fait, retrouvons-nous ces « images bizarres » dans le film ?

Oui, assurément. Vers la fin, après l’explosion d’un camion :

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Entre les dessins et leur concrétisation sur pellicule, plus de trois ans se sont écoulés. Sincèrement, ce n’est pas si long que ça…

Cameron ajoute lors d’une autre interview :

Terminator 1 a été comme une hallucination. C’était mon premier film∗. J’ignorais qu’il aurait du succès. Quand je l’ai écrit j’ai dû penser qu’il pouvait en avoir. Je l’ai écrit en y pensant. Mais on ne croit pas vraiment que ça va arriver, que ça peut arriver. Si bien qu’après, ça a été comme un rêve pour moi. Et j’ai compris que c’était arrivé. Le film avait un public. Ça m’a beaucoup encouragé à faire d’autres films.

∗ Cameron ne considère donc pas Piranha 2 comme son premier film.

Et tant mieux pour tous les cinéphiles.

Je ne vais pas vous dévoiler la fin ici, mais Terminator repose sur un paradoxe temporel ayant suscité beaucoup de discussions dignes du « qui de la poule ou de l’œuf est venue en premier ? ».

Pour faire un petit parallèle, voici quelques questions :

Que ce serait-il passé si James Cameron n’avait pas eu la fièvre ce jour-là ?

Que ce serait-il passé s’il n’avait pas eu cette vision lui ayant permis d’écrire ce scénario ?

La face du cinéma serait-elle différente aujourd’hui ?

A mon avis, ça n’aurait pas changé grand-chose.

Il est difficile de croire qu’un homme comme Cameron doive sa réussite à un évènement aussi aléatoire qu’une vision.

C’est bien mignon de voir un robot sortant des flammes… mais c’est juste la partie émergée de l’iceberg.

Entre une image et la déduction d’une histoire il y a une marge.

Entre l’histoire et l’écriture d’un scénario, il y a un gouffre.

Entre l’écriture d’un scénario et sa réalisation il y a un abysse.

Et entre la réalisation d’un film et un chef d’œuvre, il y a un monde.

Je suis donc intimement convaincu que le génie de Cameron aurait éclaté à un moment ou un autre.

A l’heure ou j’écris ces quelques lignes, la saga Terminator possède, trois épisodes sortis en salle. Même si beaucoup considèrent le second volet comme LE chef d’œuvre de la série, je reste convaincu, et ce malgré les énormes qualités de T2, que le premier du nom est le meilleur.

Ce film à petit budget comporte plusieurs erreurs de raccords (j’en parlerai certainement lors d’un second article…), surtout dans les scènes de foule ou d’action mais ça n’a aucune espèce d’importance. Le récit est parfait et l’histoire ouvre de magnifiques portes pour l’esprit des spectateurs imaginatifs.

Quant à Terminator 3: Rise of the Machines réalisé sans génie par Jonathan Mostow, il reste le parent pauvre de l’ensemble. Quelques bonnes idées ne sauvent pas ce pâle remake des deux premiers.

Le mois prochain c’est entre espoir et crainte que nous découvrirons un nouvel épisode en forme de nouveau départ réalisé par le dénommé McG : Terminator Salvation (Terminator Renaissance dans notre pays).

Existe-t-il vraiment quelqu’un pouvant prendre la relève de James Cameron ?

Permettez-moi d’en douter.

Quoi qu’il en soit, la confrontation entre T4 et Avatar risque d’être intéressante.

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La création telle que je la conçois, c’est des milliers de gens qui apportent leurs idées, leurs émotions, qui suent sang et eau et pleurent rien que pour le plaisir de faire un film.

James Cameron

SE7EN

2009-04-08T08:13:00.000+02:00

PRISE : 022

FILM : SE7EN

DATE : 08 avril 2009

AUTEUR : O'Brian

Le chef d’œuvre ultime sélectionné cette semaine est un film charnière pour moi. En sortant de la salle le jour de sa sortie, je n’étais plus le même.

Ce fut l’incident déclencheur de ma passion pour l’écriture scénaristique, et si un jour j’arrive à quelque chose dans cette voie, je lui en serais redevable.

Mais je ne vais pas polluer cet article avec mes petits questionnements personnels.

Je veux évidemment (pour ceux qui me connaissent un peu) vous parler de :

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SE7EN (avec un 7 à la place du V s’il vous plait) est un film de serial killer réalisé en 1995 par David Fincher, magnifiquement mis en lumière par Darius Khondji, d'après un scénario d'Andrew Kevin Walker et avec Morgan Freeman, Brad Pitt, Gwyneth Paltrow et … (voir générique de fin du film… et de l’article.).

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film et qui voudraient en savoir plus, voici un lien vers sa fiche IMDB : SE7EN (IMDB)

ATTENTION : Si vous n’avez pas eu la chance de voir ce chef d’oeuvre, je vous conseille d’arrêter immédiatement la lecture de cet article… et accessoirement combler cette lacune cinématographique.

Le plan dont je vais vous parler est si court que la grande majorité d’entre vous ne l’a pas vu passer.

Une autre partie ne se souvient pas l’avoir vu mais s’en rappelle quand même.

Les plus attentifs l’ont capté.

Les furieux se sont repassés la scène image par image pour réussir à le voir.

Il représente la plus petite division d’un film : UNE IMAGE.

Un film de cinéma est composé, jusqu’à maintenant mais ça changera, de 24 images par seconde (à la télé nous en avons 25 en Europe alors qu’il y en a 30 aux États-Unis et au Japon). Je ne vais pas me lancer dans une explication de ce phénomène ni vous parler de persistance rétinienne alors croyez-moi sur parole, cette vitesse est suffisante pour vous bluffer et vous faire croire en une « certaine réalité en mouvement ».

Pour être encore plus précis, un plan composé d’une seule image non raccord avec le reste de la scène dans laquelle il est implanté, et outre le fait d’être l’égal d’une « photo », s’appelle, dans le cadre d’un film, une image subliminale.

Je vous en reparlerai à l’occasion d’un article sur un autre film de David Fincher : Fight Club (En effet, Fight Club utilise cet effet d’une manière sensiblement différente et sympathique)

Mais revenons à SE7EN (tourné avant Fight Club).

Vous montrer cette image subliminale en la sortant de son contexte n’aurait que peu d’intérêt alors rembobinons un peu :

Nous sommes dans le dernier acte du film. Le serial killer s’est rendu à la police et leur propose un marché : si les deux détectives chargés de l’enquête (Somerset / Morgan Freeman et Mills / Brad Pitt) acceptent de l’accompagner, il leur révèlera où sont cachés les deux dernières victimes.

Evidemment, il y a anguille sous roche.

La situation devient encore plus conflictuelle au moment où le prisonnier prend l’ascendant sur ses gardiens : la femme d’un des deux détectives, David Mills, est l’une de ses victimes !

La question sous-tendue est : Mills va-t-il tuer John Doe (le serial killer extrémiste religieux du film) et ainsi rentrer dans son jeu ?

John Doe est filmé en contre-plongée avec le soleil couchant placé exactement derrière sa tête, formant une auréole quasi divine.

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Mills menace de lui tirer une balle dans la tête de façon on ne peut plus explicite.

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Mais malgré la situation et la menace pesant sur sa vie, le visage du serial killer reste impassible.

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Le détective Mills, encore sous le choc, tient le psychopathe (et le spectateur) en joue.

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Le point est fait sur son visage alors que son arme reste floue.

Je me permets un petit aparté pour vous montrer sa corrélation avec un autre plan fabuleux et emblématique de ce film arrivant lors de la première rencontre entre le tueur et le détective.

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Cette contre-plongée présente la silhouette floue de John Doe menaçant le détective Mills avec son pistolet (net) braqué sur sa tête.

Mais revenons à la scène en question.

Incapable de retenir ses larmes, Mills hésite plusieurs fois, baissant la tête et son arme pour fermer les yeux et se couper du monde… comme si, en les rouvrant, ce cauchemar pourrait prendre fin.

Il essaye de trouver la force de ne pas tirer sur le tueur de sa femme, il aimerait penser à autre chose.

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Mais il va avoir un « flash » déterminant, pouvant être visualisé par certains spectateurs grâce à un plan faisant la différence, celui-ci :

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Image subliminale 2h00 et 9 secondes (sur le DVD français)

Il dévoile le visage angélique et lumineux de Tracy Mills, capturé par la mémoire de son mari lors d’un instant d’intimité puisque posé sur un oreiller ou une couverture, refait surface.

Ce plan n’est pas un insert faisant parti de l’espace scénique actuel mais une sorte de « vue de l’esprit » : il représente un souvenir appartenant à une époque révolue.

John Doe comprend qu’il a gagné et ferme tranquillement les yeux, acceptant de se retrouver face à son créateur.

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Plan très large : le détective Mills s’approche de sa cible pour lui tirer une balle dans la tête.

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Le plan large est aussitôt suivit de son antithèse, un insert : très gros plan filmé pour révéler un « détail ».

Ici, ce détail est le mouvement du canon du revolver automatique lorsqu’il fait feu.

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Retour au plan très large montrant l’impact.

Admirez le traitement réservé à la « giclée de sang » juste à gauche de la tête de John Doe. Elle ressemble à un nuage compact tombant au sol (est-ce l’âme du serial killer allant en enfer ??).

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Mills vient de tuer John Doe mais ce n’est pas suffisant.

Observez la composition de ce plan.

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La caméra présente un plan subjectif de John Doe (le spectateur est donc une nouvelle fois la cible de Mills). Somerset est de 3/4 dos.

Entre eux se dresse un pylône portant des lignes à haute tension mais ressemblant surtout à un géant observant les minuscules humains. Est-ce une représentation allégorique de Dieu ?

Certainement.

Lorsque Mills fait à nouveau feu, le cadrage montre sa tête éclater indirectement. Difficile de choisir un angle plus explicite.

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Note : Le chiffre 7 étant très présent tout au long du film, il est dommage que Mills ne tire « que » 6 balles dans la tête de John Doe…

Il est également à noter que, dans son montage original, le film devait s’arrêter quasiment à cet instant. Juste après le plan suivant pour être exact.

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Le dernier dialogue devait être prononcé par California, le flic obsevant la scène depuis l’intérieur de l’hélicoptère : « Somebody call somebody. Call somebody. »

Enfin, ils ont déjà réussi à éviter le happy-end souhaité par les studios et c’est le plus important. D’ailleurs, même si la coda n’a pas d'une réelle utilité, j’avoue l’aimer quand même.

L’insertion de cette image subliminale montre qu’il est possible d’apporter du sens à une œuvre en utilisant une seule image.

Il y a quelques années de cela, personne n’aurait été capable de la voir. Depuis, c’est devenu un peu monnaie courante, notamment grâce à la « génération MTV » et ses clips syncopés, au montage aussi rapide que cut. Nous y avons gagné un nombre supérieur d’informations pour un temps égal.

Le cinéma évolue constamment et les spectateurs avec. Comme l’œuf et la poule, je vous laisse le soin de conclure sur "qui pousse qui à évoluer"…

Je pourrais parler des heures de SE7EN, aussi bien niveau de sa réalisation (et son montage) que de son scénario et ses magnifiques dialogues. Je vous conseille d’ailleurs de réécouter l’excellente discussion devant un verre entre Mills et Somerset à environ 1h28 du début.

Plus d’une demi-heure avant la fin, Somerset, le « mentor » du film, la dévoile à son élève : « Vous savez, cette histoire ne connaîtra pas de fin heureuse. »

Effectivement, pour les personnages du film, c’est le cas…

… mais pour les spectateurs, c’est que du bonheur !

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Psychose

2009-03-04T20:00:00.000+01:00

PRISE : 021

FILM : Psychose

DATE : 4 mars 2009

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine a rendu une bonne partie de la population crado… effrayée à l’idée de prendre une simple douche.

Je veux évidemment parler de :

Psycho (ou Psychose dans la langue de François Truffaut) est un thriller datant de 1960, réalisé par Alfred Hitchcock sur un scénario de Joseph Stefano d’après la nouvelle de Robert Bloch et avec Janet Leigh, Anthony Perkins et Vera Miles.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Psychose (IMDB)

Ça y est.

On y est.

Je suis fait.

C’est aujourd’hui que je passe officiellement pour un gros mauvais devant tous les cinéphiles tombant plus ou moins accidentellement sur ce blog.

Bah ouais, je sais, ça devait arriver un jour où l’autre.

Il y a énormément de très bons plans dans ce film et je ne pense pas que l’un d’eux fasse réellement la différence par rapport aux autres. Mais il y en a tout de même un qui continue de me titiller vision après vision.

Ce plan arrive à la 47eme minutes du film, en plein cœur de la fameuse « scène de la douche ».

Le voici :

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Rien à faire…

Voilà des années que je le regarde et je n’arrive pas à comprendre comment ce bon vieux Alfred l’a réalisé !

Bah ouais, comment filmer une douche en train de couler sans mouiller l’objectif de la caméra ?

En dispersant le plus possible les jets et ainsi laisser une place « sèche » à la caméra ? C’est bien gentil mais à cette époque les caméras ça ne tenait pas dans un téléphone portable.
En se plaçant assez loin pour que le jet n’atteigne pas l’objectif ? Bah non, il ne se retrouverait pas « centré » car l’eau subit étrangement l’attraction terrestre.
Avec un jeu de miroir ? Bah pourquoi l’eau ne coule pas sur le miroir alors ?
En plaçant une glace protectrice devant ? Idem ! Pourquoi ne serait-elle pas mouillée ?
En filmant « à l’envers », c'est-à-dire en projetant l’eau vers le haut plutôt que vers le bas ? Possible, j’en sais rien, ça risquerait de retomber derrière quand même (cf. Gravité)

Bref, je ne le cache pas, si on me donnait une caméra et une douche, je serais incapable de reproduire ce plan.

Vous allez me dire que je pourrais me renseigner… Ouais, sûr, mais je me suis toujours refusé de chercher sur le net ou demander la réponse pour avoir le plaisir de comprendre par moi-même (bon sang, je sais faire le Rubik’s Cube quand même ! =^.^=)…

Mais là, je craque.

L’occasion est trop belle pour la manquer, j’espère donc obtenir via ce blog quelques commentaires avisés de votre part pour combler mes lacunes cinéphiliques.

La meilleure explication (qui sera à ne pas en douter si évidente que j’en rougirai pendant plusieurs années) trouvera sa place en complément de cet article.

Merci d’avance.

Transformers : Revenge of the Fallen

2009-02-25T20:00:00.000+01:00

PRISE : 020

FILM : Transformers : Revenge of the fallen

DATE : 25 février 2009

AUTEUR : O'Brian

Cette semaine ce n’est pas un film mais une bande annonce de film qui est sélectionnée !

Une BA ouais, mais pas n’importe laquelle puisqu’elle annonce la venue d’un film réalisé par un agriculteur haut de gamme, spécialiste du navet transgénique, le grand, le magnifique, le cocaïné :

Je veux évidemment parler de la suite de son dernier nanar trois étoiles, le très attendu des fans de boom bomm vroom vroom :

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Transformers : Revenge of the Fallen (ou « Transformers : La revanche » dans la langue approximative de Chia la Bouffe) est une bande annonce datant de 2009, réalisée par Un autre chef d’œuvre du maîtreMichael Bay sur un scénario de Ehren Kruger, Roberto Orci et Alex Kurtzman et avec Megan Fox, Shia LaBeouf et Rainn Wilson.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce futur film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Transformers : Revenge of the fallen (IMDB)

Un film est une réinterprétation, plus où moins proche mais jamais exacte, de la réalité.

Les auteurs utilisent le cadrage et le montage pour nous présenter un morceau de réalité propre à leur œuvre, donc subjectif et forcément décalé du réel.

La réorganisation géographique d’un espace existant réellement est une constante depuis longtemps acceptée de tous… (enfin, surtout par ceux ne connaissant pas les lieux « réorganisés » par cœur.)

Souvent c’est dans une séquence, par exemple une poursuite.

Un véhicule ou un homme file dans une ruelle et hop, après avoir tourné au coin de celle-ci, il se retrouve dans un endroit totalement différent. Mais si le raccord est bon, personne n’en est gêné.

Evidemment, il est préférable de ne pas trop en abuser au risque de perdre les spectateurs habitant la ville, comme ce fut le cas dans « Ronin » de John Frankenheimer : le trajet de cette course poursuite passe des rues de Paris à la voie express puis au tunnel sous Chatelet qui débouche sur le quai dans le 12ème pour se finir sur le périph dans le 15ème !

Parfois, c’est au cœur même d’une scène.

Le champ est tourné à un endroit alors que le contrechamp est tourné des jours (voir des semaines ou des mois) plus tard dans un autre endroit pour offrir aux spectateurs un background évocateur et/ou intéressant (vous trouverez un exemple magnifique dans « La guerre du feu » de Jean-Jacques Annaud).

De plus en plus souvent, les blockbusters américains « trichent » sur l’intégralité d’un film, recréant par exemple New York dans les rues de Cleveland (comme pour Spider-Man 3, et je ne parle pas reconstitution en studio ici)…

Plus rarement, ce reconditionnement de l’espace « réel » se trouve dans un même plan.

Les raisons de cette rareté sont multiples.

Généralement, cela n’a aucun sens puisque l’endroit fut justement choisi en raison de son intérêt visuel.

Mais au-delà de ça, l’obligation d’utiliser des effets spéciaux pour créer un plan composite creuse le budget et risque de faire dresser les poils du producteur. Evidemment l’amélioration des techniques de post production facilite la tâche mais un sou reste un sou.

C’est de ce dernier type de reconditionnement géographique dont il est question ici. Voyez par vous même sur l'image suivante :

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Il est évident, pour tout parisien qui se respecte, que nous nous trouvons rive droite, Place de la Concorde avec au fond l'église de La Madeleine.

Jusque là, tout est normal... si ce n’est la présence de notre chère Tour Eiffel censée être rive gauche et donc dos à la caméra !

La preuve en image avec la même place photographiée suivant un angle proche de celui présenté plus haut :

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Ne cherchez pas trop longtemps, il n’y a pas de Tour Eiffel dans cette photo.

Il n’y en a d’ailleurs pas plus sur cette autre vue de la place, un peu plus large :

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Par contre, si l’on pivote de 180°…

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… on aperçoit enfin le bel édifice.

Ouf, il n’a pas encore été détruit par la bande annonce du film G.I. Joe: The Rise of Cobra de Stephen Sommers (coming soon).

Cliquez sur l’image pour découvrir la Bande Annonce de G.I. Joe

Attention Michael, faut te ressaisir là, ton pote Stephen, autre grand nanar maker devant l’éternel, pourrait bien te ravir le titre du plus grand destructeur de Paris !

Par contre, en ce qui concerne le plan suivant dans la bande annonce, je suis curieux de savoir où Michael a été piocher cette tour :

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N’hésitez pas à nous écrire pour réparer cette ignorance... même si ça sent la pure invention (j'ai d'ailleurs l'impression d'avoir vu tomber cette tour dans un autre film...)

Voilà un petit détour, habituel dans les films américains, pour indiquer que l'on se trouve bien à Paris : y’a la Tour Eiffel visible depuis tous les coins de rue !

Fallait y penser.

Si vous voulez visionner la bande annonce de Transformers : Revenge of the Fallen, ça se passe ici :

Cliquez sur Michael Bay pour découvrir la Bande annonce.

Mais, personnellement, j’ai un faible pour cette version :

Michael Bay à la sauce South Park

Cela dit, cet article ne répond absolument pas à la question la plus importante posée par cette BA : Est-ce que Transformers : Revenge of the fallen sera le meilleur film de Michael Bay ?

J’irais même jusqu’à demander : Est-ce que Transformers : Revenge of the fallen sera un bon film ?

L’un dans l’autre, tricher sur la géographie intervillesque dans un film de ce genre, ça n’a aucune espèce d’importance : je préfère avoir une géographie mauvaise et une bonne dramaturgie que le contraire…

Bon, généralement, avec ce cher Michael, les deux sont mauvais… mais on peut toujours rêver, non ?

Réponse très bientôt in a theater near you…

Certaines phrases de cet articles ont été honteusement volées à Lien vers la MillsosphèreMills et Indy. Merci à eux =^.^=

Sixième Sens (jump shot)

2009-01-28T20:00:00.000+01:00

PRISE : 019

FILM : The Sixth sense

DATE : 28 janvier 2009

AUTEUR : bpfeuty

Cette semaine, je vais vous parler d'un plan tiré d'un film ayant surpris une grande partie du très nombreux public qui est allé le voir. Il s'agit de :

Sixième Sens (ou The Sixth Sense dans la langue d'Allison DuBois) est un drame fantastique écrit et réalisé par le prometteur mais trop souvent décevant M. Night Shyamalan en 1999 avec Bruce Willis et Haley Joel Osment.

Pour ceux qui ne connaitraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Sixième Sens (IMDB)

M. Night Shyamalan fait des films d'auteur, au sens le plus orthodoxe du terme. En effet, il écrit et réalise seul chacun de ses métrages et en assume tous les choix artistiques jusqu'au bout. Pour autant, ses films ne sont pas élitistes et ont toujours su attirer un nombre de spectateurs relativement conséquent.

C'est un réalisateur ayant un style facile à reconnaître : il utilise une intrigue fantastique comme canevas pour (dé)tisser les liens entre des personnages souvent complexes et profonds. Dans le club fermé des "réalisateurs qui donnent toujours envie de voir leurs films malgré de nombreuses déceptions", il est l'opposé exact de Michael Bay qui privilégie plutôt le spectaculaire et l'action là où Shyamalan préfère installer avant tout des personnages et une intrigue souvent intimiste mais universelle.

M. Night Shyamalan peut même être un excellent scénariste et réalisateur, quand il est inspiré.

Et c'était le cas lorsqu'il a écrit et réalisé Sixième Sens.

Sixième Sens est principalement un drame mais sur une trame de film d'épouvante, avec des fantômes malmenant une petite victime esseulée et fragile à laquelle on peut s'identifier facilement. Et même si le drame et les personnages occupent le centre du film, M. Night Shyamalan a tenu a respecter la plupart des codes du genre investit. Et l'un des éléments incontournable dans un film de fantômes, c'est le Jump Shot.

Il y a dans ce film plusieurs plans qui font sursauter. Je vais ici m'intéresser à un seul d'entre d'eux, à mon avis le plus intéressant du film.

Pour ce faire, je vais devoir révéler plusieurs éléments importants de l'intrigue (mais pas la fin). Ceux qui n'ont pas vu le film et ne veulent pas en savoir plus, n'allez pas plus loin.

Dans Sixième Sens un psychiatre renommé est chargé de suivre un enfant solitaire et renfermé. Il s'avère que le garçon, Cole, est ainsi car il a la capacité de voir les morts. Et ils prennent un malin plaisir à lui faire peur. Aussi étrange qu'elle puisse paraître, le médecin fini par accepter cette idée et il découvre le véritable dessein des fantômes à l'égard de l'enfant : chacun d'entre eux viennent lui demander de l'aide, même s'ils peuvent faire peur (une mort violente, c'est pas forcément tout beau tout propre). La solution est donc toute simple : il suffit de les écouter afin qu'ils puissent partir en paix.

Le psychiatre explique sa théorie à Cole. Le soir même, une nouvelle apparition vient l'épouvanter.

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Il prend peur au début, comme à son habitude, et s'enfui. Mais il repense aux paroles de son psy et revient sur ses pas pour faire face à la jeune fille, pas si effrayante finalement. Et il lui demande : "Do you wanna tell me something ?" ("Veux-tu me dire quelque chose ?")

Nous ne connaitrons sa réponse que deux scènes plus tard, en voyant ce que Cole fait : elle le charge d'aller chez elle récupérer un coffret contenant une vidéo pour le donner à son père.

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Durant la convalescence causée par sa maladie mortelle, la jeune fille filmait des spectacles de marionnettes qu'elle faisait seule dans sa chambre. Sur cette cassette, que le père s'empresse de regarder, on peut voir l'un de ces spectacles.

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Mais cet enregistrement est particulier car sa mère est arrivée pour lui donner son repas et la jeune fille n'a pas éteint pas la caméra. Ce qui nous permet, à nous et à son père, de voir la mère empoisonnant la soupe de sa fille, la désignant alors sans aucun doute comme responsable de sa mort.

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La défunte demande également au garçon d'offrir une de ses poupées à sa petite sœur pour laquelle elle avait quelques mots de réconfort.

Mais revenons à la scène précédant la vision de la vidéo, la scène qui m'intéresse. Dans celle-ci, Cole, accompagné du psychiatre, va dans la maison de feu la jeune fille. Il y a de nombreuses personnes habillées en noir, l'air triste : c'est la veillée funèbre. Dehors, sur la balançoire, une petite fille. Cole précise qu'il s'agit de la petite sœur de la défunte. Dans la maison, les gens parlent. Ils chuchotent : la petite sœur aussi est en train de mourir de la même maladie ; ils plaignent les parents.

Le jeune garçon et le psychiatre montent à l'étage, sans se faire remarquer. Ils arrivent devant la porte de chambre de la jeune fille.

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Cole est nerveux et hésite. Mais il se lance.

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Il tourne la poignée très lentement puis ouvre la porte, tout aussi lentement. Je tiens à préciser que la porte ne grince pas : on peut respecter des codes bien définis sans tomber dans le cliché.

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La composante principale du jump shot, c'est la surprise. Mais la surprise est également la composante principale de l'humour. Le spectateur doit être mis en condition pour sursauter face à la surprise et non pas rire.

Ces trois plans établissent un univers particulier en débanalisant un geste simple : ouvrir une porte. Ils sont très expressifs, voire même expressionnistes. La contre-plongée du premier plan, en grand angle qui plus est, le gros plan sur la poignée, toujours en grand angle et enfin l'ombre très nettement projetée ; tous ces éléments donnent une impression d'étrange à ce geste pourtant banal habituellement.

D'autre part, l'ambiance introduit une tension : quelque chose va arriver. La musique, sourde et grave, a perdu tous les relents dramatiques qu'elle avait dans la scène précédente et le temps est comme suspendu (ces plans durent 30 secondes à eux trois).

Les deux plans suivants montrent l'ombre de Cole balayer une étagère de vidéos.

Notons au passage que la source de lumière change de place selon les plans : elle est diffuse dans le premier, très clairement derrière Cole dans le deuxième puis ne projette plus son ombre devant lui mais sur sa gauche, sur le mur le long duquel il marche. C'est un effet purement dramatique faisant passer le cinéma avant le réalisme. Dans certains films ça peut être un problème mais ici c'est totalement justifié.

Puis l'ombre est projetée sur une étagère où sont entreposées de petites poupées de porcelaines. La main de l'enfant entre dans le champ pour s'emparer de l'une d'elles.

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A ce moment-là du film, nous ne le savons pas encore, mais l'ombre de Cole balaye des éléments en rapport avec l'intrigue dans la pièce. D'abord les vidéos, grâce auxquelles la défunte jeune fille pourra révéler les actes de sa mère puis les poupées, dont celle qu'elle veut remettre à sa petite sœur.

Puis nous arrivons au plan qui m'intéresse ici, le fameux jump shot.

Pour la première fois dans cette scène, à l'exception du premier plan, Cole apparaît réellement. Tout le reste du temps, on a vu de lui que son ombre et sa main. Dans cette montée en tension, ce n'est pas anodin. En faisant disparaître ainsi le garçon de l'image, le réalisateur pousse le spectateur à s'identifier d'avantage à lui. Nous sommes tous habitués à voir notre ombre et notre main et en voyant ces éléments à l'écran, nous ne sommes plus spectateur, nous devenons ce garçon. Lorsqu'il réapparait dans ce plan, nous nous sommes un peu plus projetés en lui. Nous pouvons avoir peur comme lui.

Notons également que l'étagère des vidéos a disparu et que celle entreposant les poupées n'est pas placée correctement pour que le geste de Cole soit cohérent lorsqu'il a prend le jouet.

Peut-être est-ce dû à un manque de budget et/ou de temps (ayant empêché le réalisateur d'agencer la pièce comme il l'aurait voulu) ou à une idée qui n'est arrivée que lors du montage. Toujours est-il que nous n'y faisons pas attention car les marionnettes au premier plan cachent une bonne partie du mur. D'autant plus que ces marionnettes se balancent très légèrement. Toute notre attention est attirée vers elles.

Et c'est aussi ce qui fait l'originalité de ce jump shot. Ils fonctionnent pour la plupart sur un mécanisme paradoxal : certes ils surprennent mais plusieurs secondes avant, chacun s'attend à être surpris. En effet, comme je l'ai dit plus haut, un film de genre utilise des codes bien précis et lorsqu'une ambiance comme celle-ci est installée, ça se termine forcément par un jump shot.

Tout le jeu consiste donc à surprendre le spectateur avec ce qu'il attend.

Ici, la musique, dissonante, monte crescendo. C'est le signal. Dans très peu de temps nous allons être surpris, c'est certain.

Les marionnettes se balancent au premier plan. Cole se tourne vers elle.

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La musique se fait de plus en plus insistante. Cole fait des pas très lent en direction des marionnettes. La musique se fait de plus en plus forte. C'est sûr, quelque chose va surgir de…

Soudain, un simple bras sort finalement du lit pour agripper la jambe de Cole.

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Quelques centièmes de secondes plus tard, un coup de percussion, d'un volume raisonnable, soutient l'image. Pas besoin de nous éclater les tympans, ceux qui n'auront pas sursauté auront au moins été surpris de voir le bras sortir du lit et non de derrière les marionnettes.

D'autre part, ce jump shot n'est pas insistant. Ce n'est pas un gros plan sur une image d'horreur accompagnée d'une musique assourdissante. De cette manière, ceux n'ayant pas été surpris pourront prendre ce plan comme ce qu'il est (aussi) : un plan exposant la passion de la défunte pour les marionnettes et faisant avancer l'intrigue. Car le bras agrippant Cole n'est pas un simple et vain effet pour faire sursauter les âmes sensibles mais le bras de la jeune morte ayant une véritable raison d'être là et d'agir ainsi.

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Elle ne s'était pas accrochée au garçon pour lui faire peur mais pour lui donner le coffret qu'elle souhaitait faire parvenir à son père.

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Le but principal de ce plan était d'abord de faire passer une information et de faire avancer l'intrigue. Accessoirement, comme nous sommes dans un film d'épouvante, pourquoi ne pas rendre la scène plus attrayante en faisant de ce plan un jump shot ?

Il fallait montrer la scène de toute façon.

Et un film d'épouvante sans jump shot n'est plus vraiment un film d'épouvante, quelque soit sa qualité.

Alors autant faire d'une pierre deux coups !

Conversation(s) with other women

2009-01-20T20:00:00.000+01:00

PRISE : 018

FILM : Conversation(s) with other women

DATE : 21 janvier 2009

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine parle d’amour, de ruptures et de retrouvailles pour le meilleur et pour le pire jusqu’à ce que la vie vous sépare, amen. Laissez-moi vous présenter :

Conversation(s) with other women (ou Conversation(s) avec une femme dans la langue approximative de Carla Bruni) est un drame intimiste datant de 2005, réalisé par Hans Canosa sur un scénario de Gabrielle Zevin et avec Helena Bonham Carter et Aaron Eckhart.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Conversation(s) with other women (IMDB)

A vrai dire, je suis embêté avec cet article… Embêté car ce film n’est pas très connu et la majorité des lecteurs de ce blog ne l’a certainement et malheureusement pas vu.

Si ça avait été un navet, je n’aurai eu aucun remord à vous le spoiler jusqu'à l'os mais là… nous sommes plutôt à l’autre extrémité de la chaîne alimentaire cinématographique.

Conversation(s) avec une femme est un film d’une justesse incroyable que (pour paraphraser Aznavour) les moins de 20 ans ne peuvent pas ~~connaître~~ comprendre.

Pour en saisir la substantifique moelle il est préférable d'être passé par différents stades au cours de notre vie :

Être tombé amoureux de quelqu’un,
avoir été attiré sexuellement par ce quelqu’un,
avoir vécu avec,
avoir couché avec encore et encore dans une parfaite osmose,
avoir rompu,
en avoir souffert,
avoir été séparé un certain temps,
et enfin… le retrouver.

Les personnes que nous avons vraiment aimées laissent une trace indélébile quelque part au fond de notre cœur.

Peu importe les évènements ayant aboutis à une rupture, une partie de l’amour échangé reste intacte. Pas pour ce qu’est devenue cette personne mais pour ce qu’elle était.

Aujourd’hui c’est peut-être le pire des enculés ou la pire des salopes mais, à un moment (si court fut-il), c’était la personne idéale. Quoi qu’on y fasse, cet idéal reste toujours là, dans un soupir, dans un sourire, dans un souvenir.

Conversation(s) avec une femme sait parler de tout ça avec réalisme et honnêteté.

De mon point de vue, avec mon vécu et ma sensibilité, c’est un bon film, un très bon film même. Le genre de film qui, pour une raison ou pour un autre, « me (vous) parle ».

Petit, intimiste, porté sur et par d’excellents dialogues (prononcés par d'excellents acteurs), axé exclusivement sur deux personnages, il pourrait facilement être pris pour une pièce de théâtre. Si tel était le cas, la puissance du propos et des dialogues resterait la même.

Oui, mais il y a un « mais » (comme souvent)…

Ce film sait rester totalement cinématographique car il a la particularité intéressante d’être filmé quasi intégralement en split screen.

« Slip-crime ? »

Ok, je vois…

Un peu de vulgarisation ne faisant pas de mal, je me dois de commencer par expliquer ce qu’est un « split screen ».

C’est une expression constituée de deux mots anglais signifiants dans l’ordre « fendre » et « écran ».

Pour faire simple, il s’agit d’un plan composé de plusieurs plans (souvent deux mais il n’y a pas de limite) montés les uns à côté des autres pour former une seule et même image présentant plusieurs points de vue. Mais si, vous savez, vous en voyez tous les jours à la télé, surtout aux infos.

Pas évident de trouver une image sur le net…

Sachant ça, regardez une nouvelle fois l’affiche du film et, ce coup-ci, n’hésitez pas à suivre l’indication située sous l’image :

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En toute honnêteté, qui avait vu au premier coup d’œil que les deux personnages n’étaient pas exactement dans le même plan ?

Certains d’entre vous vont peut-être me dire…

« Split screen ? Et alors ? Si c’est qu’un simple artifice de mise en scène pour se la péter, ça n’a absolument aucun intérêt et surtout pas de quoi en pondre un article dithyrambique ! Ouvre un peu les yeux O’Brian ! »

… et vous auriez parfaitement raison.

L’effet pour l’effet ne sert quasiment à rien (à part se donner une certaine identité, se démarquer, se la jouer, etc.) s’il n’est pas porteur de sens.

En utilisant un split screen pour parler d’une histoire d’amour fondée sur des ruptures ou des fractures, le film de Hans Canosa reste dans les clous et met en adéquation parfaite la technique employée avec le sujet traité.

Les deux personnages sont dans le même espace scénique mais ont chacun un cadre qui leur est propre. Il y a toujours cette barrière invisible, impalpable, entre eux. Toujours ce décalage qui les empêche d’être vraiment ensemble…

Pourquoi ? Comment ?

Je ne voudrais pas cramer le film aux nombreux ne l’ayant jamais vu donc…

Si vous ne connaissez pas ce film et envisagez de le voir, je vous conseille d’arrêter la lecture ici. Le plan dont je vais parler étant le dernier du film, j’en révèle sa résolution.

Le fameux plan faisant la différente indispensable à cette rubrique est celui-ci :

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Sa particularité est de ne pas respecter ce que je vous ai expliqué avant : ce n’est PAS un split screen.

Vu comme ça, il ne doit pas vous évoquer grand-chose…

Les deux personnages sont l’un à côté de l’autre, dans le même cadre, très proches même s’ils ne regardent pas dans la même direction…

Il n’est pas spectaculaire et même très classique, à l’arrière d’une voiture.

Pourtant, ce plan est un magnifique payement de l’ensemble de cette œuvre.

Contrairement à ce qu’annonce l’image ci-dessus, les personnages n’ont jamais été aussi éloignés. Ils ne sont d’ailleurs pas dans la même voiture…

Au début de ce plan ils sont, quasiment pour la première fois, dans un espace scénique différent. Ils viennent de se quitter, mettant un terme à leur folle histoire d’amour et partent dans des directions opposées.

Puis la séparation entre les deux écrans s'amenuise et les deux personnages se retrouvent « physiquement » dans la même voiture. C’est la première fois qu’ils partagent l’intégralité du cadre.

Cet effet de montage symbolise que, « métaphoriquement », ils sont toujours ensemble. Leur ancienne histoire d’amour continuera de les marquer jusqu’à la fin de leurs jours.

Ce plan les présente en train de regarder par la fenêtre, dans des directions opposées… Mais pourtant, leur pensée est bien dirigée vers l’autre.

Tant de contradictions contenues dans un seul plan mérite, à mon sens, amplement le détour.

Bon, ok… ok… je sais… c’est bon… pas la peine de crier !

Effectivement, les chansons du film sont tirées d’un album de Carla Bruni.

Oui oui et re-oui, je sais je sais…

…

Et bien, regardez-le quand même !

Croyez-moi, j’en suis le premier désolé...

Heureusement, l’intérêt de cette œuvre se trouve ailleurs… dans quelque chose de fortement éloigné de l’univers de Madame Sarkosy : son cœur.

Free Zone

2009-01-14T20:00:00.000+01:00

PRISE : 017

FILM : Free Zone

DATE : 14 janvier 2009

AUTEUR : Zegatt

Le film sélectionné cette semaine est une rencontre entre trois mondes, une rencontre au-delà des conflits, une rencontre autour du territoire le plus controversé du XXème siècle.

Il s’agit de :

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Free Zone s’apparente à un road-movie. Filmé par Amos Gitaï, il est sorti en salle en 2005. Le scénario est signé Amos Gitaï et Marie-Jose Sanselme, avec Natalie Portman, Hanna Laslo et Hiam Abbass à l’affiche.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici la fiche IMDB : Free Zone (IMDB)

Avec Va, vis et deviens, Free Zone est sûrement le film israélien dont les médias ont le plus parlé au cours de ces dix dernières années. A n’en pas douter, la présence de Natalie Portman parmi le trio de protagonistes n’y est pas étrangère. C’est d’ailleurs le personnage de Rebecca, interprété par l’actrice américaine, qui ouvre et termine le long-métrage.

Au cours du dernier plan du film, conclusion d’une heure et demi d’errance moyen-orientale, Rebecca part dans une fuite effrénée, inconsciente, une course vers le lointain sans le moindre but.

Le plan dans sa continuité.

Quelques instants plus tôt, alors qu’elles revenaient d’une traversée en Jordanie pour se rendre à la fameuse Free zone qui donne son titre au film – une zone de commerce plus ou moins légale à la frontière de l’Irak, la Syrie et la Jordanie –, les trois protagonistes sont arrêtées à un poste frontière israélien tout ce qu’il y a de plus ordinaire.

Une querelle éclate alors entre l’Israélienne et la Palestinienne du trio, une fois de plus. D’abord dans la même langue, puis jonglant entre Arabe et Hébreu. Rebecca l’Américaine sort de la voiture. Elle part en courant. Elle fuit.

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Rebecca, c’est vous, c’est moi. Rebecca, c’est la communauté internationale face au problème des territoires. Du territoire. Israélien, Palestinien, on ne sait plus vraiment. On ne veut pas savoir. Alors, nous aussi, nous suivons Rebecca loin de cette folie, en voulant oublier. En nous satisfaisant d’un « c’est trop compliqué ».

Le constat du réalisateur Amos Gitaï est un constat d’échec. Mésentente des nations concernées, échappatoire pour les autres. Les larmes que versait Rebecca durant les premières minutes du film au cours d’un plan bouleversant, tout en langueur, n’ont plus lieu d’être.

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La désolation empreinte de déception a laissé la place à l’oubli. Si la souffrance peut être oubliée au prix du désintérêt, pourquoi s’en priver ?

Cliquez pour découvrir les parolesUne chanson de Chava Alberstein, la même qu’en début de projection, s’élève peu à peu. Sa parabole aux accents bibliques qui évoque un cercle vicieux, une accusation incessante de l’autre, ne résonne plus de la même façon à présent. Elle a pris sens. Désormais, elle n’est plus triste, elle est amère.

La Corde

2009-01-07T20:00:00.000+01:00

PRISE : 016

FILM : La corde

DATE : 07 janvier 2009

AUTEUR : bpfeuty

Cette semaine, je vais vous parler d'un plan tiré d'un film qui devait absolument être traité dans ce blog :

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La Corde (ou Rope dans la langue de Shakespeare) est un thriller dramatique écrit par Arthur Laurents d'après la pièce de Patrick Hamilton et réalisé en 1948 par Alfred Hitchcock dirigeant pour l'occasion John Dall, Farley Granger et James Stewart dans les rôles principaux.

Tout le film se déroule à l'intérieur d'un appartement dans lequel deux amis d'enfance ont tué un homme juste pour savoir ce que ça fait d'ôter la vie à un être humain. Pour parfaire ce qu'ils considèrent comme leur œuvre, ils commirent le meurtre seulement quelques minutes avant une réception prévue de longue date à laquelle étaient conviés des proches de la victime. La Corde raconte les événements se déroulant lors de cette réception.

Pour ceux qui ne connaitraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : La fiche IMDBLa Corde (IMDB)

Pour les mêmes personnes, je dois préciser que ce film est réputé pour être l'un des rares à montrer un seul et même plan-séquence et ce pendant toute la durée du film, c'est-à-dire 1h20.

Nous nous devions donc d'en parler sur ce blog car s'il y a bien un plan qui fait la différence, c'est celui-ci : sans lui, pas de film !

Mais sa réputation exhausse la réalité car ce drame hitchcockien n'est pas composé d'un seul et même plan.

En effet, La Corde date de 1948 et à cette époque, on filmait encore avec de la pellicule. La pellicule, c'est physique, ça prend de la place. Les bobines étaient donc limitées en longueur et permettaient de filmer environs 12 minutes chacune.

Par conséquent, Alfred Hitchcock n'a pas pu filmer son film en un seul et même plan pour ces simples raisons matérielles.

Mais le cinéma est l'art de l'illusion et même si l'on ne pouvait pas réaliser de plan de 80 minutes, on pouvait en donner l'impression. Il existe de nombreuses techniques pour lier entre eux deux plans distincts pour donner le sentiment d'une unité, surtout de nos jours, grâce à l'apport des ordinateurs.

Hitchcock n'a utilisé qu'une seule d'entre elles dans tout le film :

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Fin du premier plan (d'une durée totale : 9 minutes et 12 secondes)

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Début du deuxième plan (d'une durée totale : 7 minutes et 30 secondes)

Comme on peut le voir, la veste d'un des personnages a été utilisée pour noircir un court instant la totalité de l'écran. C'est dans ce court instant que s'opère le trucage : lors du tournage, à la fin du premier plan, la caméra s'approche assez de la veste du personnage pour qu'elle remplisse tout l'écran. Pour le plan suivant, acteurs et caméra ont été placés aux mêmes endroits, en continuant le mouvement de la caméra débuté dans le plan précédent.

Au montage, ces deux plans sont liés grâce à la veste du personnage, faisant ainsi l'effet d'un seul et même plan.

Cette impression est d'autant plus accentuée qu'au moment de cette coupe, les dialogues continuent.

C'est cette technique qu'adoptera Hitchcock durant tout le film pour assembler deux plans entre eux. Mais Hitchcock est un gars plein d'imagination et il n'a pas utilisé que des vestes pour dissimuler les coupes. Il s'est également servi des éléments du décor :

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Voilà l'une des raisons expliquant que, malgré sa réputation, ce film comporte plusieurs plans.

En général, les personnes connaissant la particularité de ce film sont également conscientes qu'il était techniquement impossible de faire durer un plan 80 minutes sans avoir recours à des procédés de ce genre.

Ce qui est moins connu, c'est que même si l'on exclu les coupes cachées, ce film comporte en réalité cinq plans bien distincts (j'exclu volontairement le premier plan servant de générique). Ils durent entre 10 et 18 minutes environs et sont chacun composés de deux plans liés entre eux grâce à la technique exposée plus haut.

Par exemple, la première de ces coupes visibles survient au moment de l'arrivée de Janet, la fiancée du mort. L'un des deux meurtriers annonce à Kenneth, l'ex de Janet encore amoureux d'elle, que ses chances de la reconquérir sont peut-être plus grandes qu'il ne le croit. Ceci occupe la fin du deuxième plan du film :

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Et c'est justement à ce moment qu'arrive Janet, comme on le voit dans le début de ce plan qui suit directement le précédent, sans raccord d'aucune sorte :

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On voit bien ici qu'il y a deux plans bien distincts se suivants directement. Et il en est de même à quatre reprises dans le film. Il fallait que cette vérité soit dite.

Quoi qu'il en soit, même s'ils durent moins de 20 minutes, il y a non pas un mais cinq plans-séquence dans La Corde, ce qui est très rare et impressionnant, encore aujourd'hui.

Mais une telle technique était-elle vraiment indispensable pour raconter ce film ?

Non. Et les plans-séquence sont rarement voire jamais indispensables comme technique de narration. Hitchcock lui-même considère ce film comme une expérience stupide car "il faut découper les films" ("Hitchcock/Truffaut" (édition définitive)). Il s'agit surtout d'un procédé le plus souvent virtuose et impressionnant qui représente un défi pour le réalisateur et son équipe et un effet de style bénéfique au film pour le cinéphile. Dans un tel plan, le seul moyen pour le réalisateur d'exposer son point de vue est le mouvement (ou l'absence de mouvement) de caméra, le forçant à s'exprimer dans un tout autre langage cinématographique que le découpage.

Il existe cependant plusieurs raisons permettant de justifier un ou plusieurs plans-séquence dans un film. La Corde, par exemple, est tiré d'une pièce de théâtre et le plan-séquence est également la technique cinématographique la plus théâtrale puisqu'elle montre une action dans sa continuité sans aucune coupe, comme on pourrait la voir sur les planches. De plus, à l'époque du tournage de ce film, les caméras étaient volumineuses et très lourdes (elles ne tenaient pas du tout dans un téléphone portable) ce qui imposait de tourner dans un décor reconstitué en studio et ne comportant que trois murs. Un quatrième mur aurait exclu toute possibilité d'installer la machinerie permettant de mouvoir la caméra, ainsi que les projecteurs (également très volumineux à l'époque) et l'équipe de techniciens faisant fonctionner tout ça. Un peu comme un décor de théâtre où un quatrième mur empêcherait les spectateurs de voir la pièce.

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Evidemment, ces deux éléments limitent les mouvements de caméra dans La Corde.

Comme il n'y a pas (ou peu) de découpage, Hitchcock a du compenser par des mouvements de caméra afin de montrer l'action. Ces mouvements sont forcément limités par la lourdeur du matériel et par l'absence d'un quatrième mur.

Tout ceci donne le sentiment d'une caméra constamment en mouvement mais aux déplacements contraints. Elle s'accorde avec l'état d'esprit des deux meurtriers qui se sentent à la fois l'âme créative (représentée par les plans-séquence) mais éprouvent en même temps une impression d'étouffement due à la présence des autres invités qui pourraient éventuellement découvrir leur forfait. Et c'est là que réside toute l'excitation.

Malgré tout, il reste légitime de se poser la question : ce film est-il meilleur parce qu'il a été filmé en plans-séquence ?

Rien n'est moins sûr mais, selon moi, il aurait été certainement bien moins célèbre s'il avait été réalisé de manière plus "traditionnelle".

Lost

2008-12-03T20:00:00.000+01:00

PRISE : 015

SERIE : Lost

DATE : 03 décembre 2008

AUTEUR : bpfeuty

Cette semaine, pour changer un peu, je vais vous parler non pas d'un film mais d'une série. Et l'une de celles qui fait le plus parler (on n'est pas fou, l'audience avant tout), j'ai nommé :

Lost (plus connue sous le titre Lost, les Disparus lors de sa diffusion sur TF1, seul moyen de la voir en France comme chacun sait) est une série fantastique (ou pas) créée en 2004 par Jeffrey Lieber, J.J. Abrams (oui oui, le co-scénariste d'Armageddon) et Damon Lindelof et avec une île pas si déserte, des ours polaires, des surnoms à gogo et même une statue de pied à quatre doigts !

Pour ceux qui ne la connaitraient pas, voici un lien vers sa fiche IMDB : Lost (IMDB)

Lost est une série singulière : elle est tout autant critiquée qu'adulée et très souvent par les mêmes personnes.

Nous la critiquons car elle a des défauts, c'est évident. Mais d'un autre côté, qui aime bien châtie bien (oui, je me devais d'utiliser une expression bateau dans un article parlant de naufragés). Si nous la critiquons, c'est que nous y sommes attachés. Et nous n'y serions pas si attachés si elle n'avait pas les qualités indéniables qui font sont succès.

Mais, selon moi, les principales qualités de ce show sont dans sa forme, dans son "emballage", et pas dans son scénario. Pourtant, c'est le scénario qui est, à mon avis, responsable à 90% du succès ou de l’échec d'une série.

Alors pourquoi un tel paradoxe ?

Pour le comprendre (en partie) il faut, selon moi, revenir à l'épisode pilote.

Dans cet épisode, nous découvrons un certain nombre de personnes ayant survécues à un crash aérien, sur la plage d'une île apparemment déserte.

Après une scène d'action où un héros se révèle, soigne et sauve pas mal de gens dans l'urgence, les choses se calment un peu et les survivants créent un camp de fortune en attendant les secours.

Puis, pour tuer le temps, des discussions s'amorcent et des liens se tissent.

Ou comment un crash aérien peut favoriser la mixité sociale.

Jusque là, rien de bien exceptionnel. Cette série présente des personnages plutôt intéressants et complexes développant des conflits et antagonismes captivants, comme doit le faire tout bon scénario mais on est quand même loin de Six Feet Under.

Non, pour moi, la vérité sur le succès de Lost est ailleurs.

Elle réside dans l'utilisation d'un procédé dramaturgique aussi simple à implanter qu’efficace : le mystère.

Le mystère est souvent utilisé afin de rendre une histoire plus intéressante qu'elle n'est en réalité (ce qui n'est pas un mal en soit, bien au contraire). Il s'agit de ne pas tout révéler immédiatement, de laisser une plus ou moins grande part d'inconnu, de non-dit, dans les informations données. Ceci a pour effet, en règle générale, de captiver le spectateur et rendre l'histoire plus palpitante.

Il est impératif d'indiquer au spectateur que des informations lui sont cachées. Ainsi seulement, il pourra être pris à parti et se poser des questions.

Voyons comment cela s'applique dans Lost.

Un grand mystère ne nécessite pas forcément une grande et longue préparation. Dans Lost, les créateurs utilisent ce plan :

Alors vous me direz qu'il n'y a absolument rien ici étant susceptible d'introduire un mystère et vous aurez bien raison. Mais ouvrez un peu vos esgourdes et cliquez sur l’icône ci-dessous :

Cliquez pour entendre l'étonnant cri du mystère affamé.

Les rescapés du crash auront donc de quoi s'occuper en attendant les secours : cette île n'est pas aussi déserte qu'elle n'y paraît. Ce cri très étrange doit bien venir de quelque chose de très étrange. Mais de quoi ?

Vaste question.

Vu nos connaissances à ce moment du récit, cela peut aussi bien être de la musique expérimentale diffusée dans une rave party sauvage qu'une créature extraterrestre venue s'amuser un peu dans la jungle…

Alors pour entretenir les interrogations du spectateur, il faut lui donner quelques pistes, afin de diriger et stimuler sa réflexion.

Quelques secondes plus tard, un deuxième plan apporte une nouvelle information. Quelle que soit cette chose, elle est énorme :

Evidemment, on se garde bien de nous montrer cette chose.

L'effet est néanmoins immédiat : le spectateur subit une poussée d'adrénaline, tous ses sens sont en éveils, son excitation et sa curiosité sont au plus haut niveau… « Putain, c'est quoi cette merde encore ? »

Cependant et malgré son incongruité, cela reste un élément du décor.

Pour que le spectateur se sente impliqué et s'interroge, il faut l'intéresser. Et pour l'intéresser, il faut mettre en place un enjeu :

Cette personne avait survécu au crash…

Désormais, cette chose n'est plus un simple élément quelque peu exotique du décor, elle devient un danger extrême pour les rescapés : s'y frotter tue et il faudra la fuir.

Ce même plan met également en évidence un élément très important, voire indispensable, pour que le mystère fonctionne : des référents, se posant les mêmes questions que le spectateur, doivent être introduits afin que ce dernier ne se sente pas seul à être perdu dans l'histoire, sans quoi il risquerait de décrocher.

Dans les épisodes et saisons suivants, certains protagonistes en apprendront plus que le spectateur. Cette position est en général très désagréable pour le spectateur car il se sent tenu à l'écart. Mais cette série exploite jusqu'au bout le côté masochiste du public et arrive à faire de cette frustration une source de plaisir et un moyen d'entretenir le mystère.

Néanmoins, aussi captivant soit-il, le mystère autour de cette créature devient au fil des épisodes moins addictif. D'autant plus que des débuts de réponses sont apportés, permettant surtout de savoir ce que n'est pas cette chose. Parallèlement, d'autres mystères sont développés. Et les auteurs réussissent à garder les spectateurs captifs devant leur écran en les entretenant.

La fameuse écoutille

Mais le mystère risque de prendre en otage notre attention et nous empêcher de suivre convenablement des scènes dites "classiques" mais pouvant apporter des éléments importants pour le reste de l'intrigue.

Pour pallier ce problème, les auteurs ont eu la « bonne idée » de remplir la plupart des épisodes de dialogues et d'intrigues très secondaires et au final inutiles afin de nous laisser le temps de gamberger sur le mystère principal. Ils sont trop sympas ces auteurs !

Un mystère provoque par essence une énorme curiosité et sa révélation doit être d'autant plus satisfaisante. Du moins cela doit-il être le cas pour un film. Mais une série est un médium particulier dans lequel les intrigues se développent sur plusieurs années et qui n'est pas fait, a priori, pour être vu plusieurs fois.

Ainsi, pour une série, même s'il a une résolution décevante, le mystère peut être très utile. D'un point de vue commercial en tous cas.

C'est assurément le cas pour Lost puisque la phrase revenant le plus souvent dans la bouche de ses téléspectateurs est "je continue de regarder pour connaître le fin mot de l'histoire". Nous ne regardons pas pour sa qualité mais pour satisfaire notre curiosité.

Mieux vaut donc que la révélation soit à la hauteur des attentes, sans quoi ces derniers, malgré tout le plaisir qu'ils auront pris à regarder la totalité des saisons, garderont à jamais en mémoire la déception du dernier épisode. Déception qui déteindra inéluctablement sur tout le reste de la série.

Les auteurs ont tout intérêt à connaître la fin de leur histoire dès le début, c'est le meilleur moyen de créer une révélation aussi satisfaisante qu'espérée.

Mais dans le cas de Lost, c'est loin d'être sûr…

Ghostbusters (Art. 2)

2008-11-26T10:38:00.000+01:00

PRISE : 014

FILM : Ghostbusters

DATE : 26 novembre 2008

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine Cliquez pour lire l’articlea déjà eu l’honneur de passer faire un tour sur ce blog… mais vu qu’il est très bon, il mérite (au moins) un second passage. Je veux parler de :

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Ghostbusters (ou S.O.S. Fantômes dans la langue d’SOS CocusArthus de Saint-Astier) est une comédie fantastique datant de 1984, réalisé par Ivan Reitman sur un scénario de Dan Aykroyd et Harold Ramis (avec la participation de Rick Moranis) et avec notamment Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver et Harold Ramis.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Ghostbusters (IMDB)

C’est la seconde fois que je parle de Ghostbusters à l’intérieur de ce blog alors… je vous propose d’entrer directement dans le vif du sujet.

Le plan dont je veux vous parler cette semaine est celui-ci :

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Il s’agit d’un plan « vicieux » et « problématique ».

Ceci vient de sa composition :

L’élément principal, et donc forcément à regarder, est centré et connu (le quartier général des Ghotbusters).
Ajouter un mouvement à l’intérieur d’un plan fixe attire le regard du spectateur… et le seul mouvement de ce plan est aussi parfaitement centré.
Des effets spéciaux de couleurs vives et lumineuses attirent irrémédiablement le regard.

Si j’ai réussi mon coup, nombre d’entre vous doivent être en train de se demander : « Mais pourquoi diable nous parle-t-il de ce plan ? »

A la louche je dirais que 99% des spectateurs ne l’ont pas remarqué. Même si celui des lecteurs doit être plus faible, il reste certainement significatif.

Après tout ce que je viens de vous dire, vous vous doutez bien que l’élément dont je veux parler dans cet article n’est ni centré ni mis en valeur d’une façon ou d’une autre.

Le pourcentage de ceux n’ayant pas compris où je veux en venir a dû chuter considérablement.

Allez, ça ne mange pas de pain, je vous le montre une nouvelle fois, alors n’hésitez pas à suivre l’instruction sous l’image pour vous faciliter la vie :

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Comme dit Ray en le découvrant marcher dans les rues de New-York : « Et oui, c’est bien lui… le Bibendum Chamallow ! »

Il s’agit d’un plan « clin d’œil », très rapide mais se révélant utile pour comprendre le pourquoi du comment du climax…

Ceux qui se disent « mais pourquoi Ray a eu l’idée du Bibendum Chamallow à la fin ? », trouvent leur réponse grâce à ce plan d’ensemble permettant de découvrir quelle publicité nos chasseurs de fantômes favoris avaient devant leurs fenêtres depuis l’acquisition de leur quartier général.

Diantre ! En émettant l’idée (intéressante) qu’un excès de pub a failli causer la destruction de New-York, Ghostbusters ne serait-il pas une habille critique de notre société de consommation ?

NON évidemment ☺ …

… mais c’est amusant de le remarquer.

Les bons films méritent plus d’une vision pour en découvrir tous les secrets et tant qu’à remplir un plan, autant ajouter des clins d’oeils qui feront plaisir aux cinéphiles comme moi (mais ne perturberont pas la compréhension des autres).

Armageddon

2008-11-19T20:00:00.000+01:00

PRISE : 013

FILM : Armageddon

DATE : 19 novembre 2008

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine parle de méchants astéroïdes menaçant les capitales les plus prestigieuse de notre planète d’une destruction massive certaine !

Damned, nous sommes perdus !!!!! HELP !!!

Mais non voyons, y’a les américains qui vont monter à l’arrache une équipe de loosers fortes têtes amateurs de bière pour sauver le monde.

Ouf, encore une fois, on a eu chaud…

Il s’agit évidemment de :

Armageddon est un nanar bien crétin, larmoyant et patriotique à souhait réalisé en 1998 par LE spécialiste du genre : le très fin, le très fort, le très constant dans la nullité (7 longs métrage, 7 nanars) : Michael Bay !!!!!! Sur un blabla de (accrochez-vous !) Robert Roy Pool, Jonathan Hensleigh, Tony Gilroy, Shane Salerno, Jonathan Hensleigh et J.J. Abrams (oui oui, le créateur de LOST) et avec notamment Bruce Willis, Ben Affleck et Liv Tyler.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Armageddon (IMDB)

Pour moi, Armageddon est une purge, une vraie, une qui chlingue la débilité et vient quand même percuter le box office mondial.

Pourquoi ?? Les spectateurs sont-ils tous décérébrés ? Non bien sûr.

Parce que derrière toute la couche de graisse pro ricaine, le sentimentalisme gerbant et les incohérences scénaristiques hallucinantes se cache un véritable plaisir coupable.

Michael Bay est mauvais, il fait n’importe quoi avec ses 50 caméras filmant tous les angles possibles en laissant le soin à son monteur de switcher le plus rapidement de l’une à l’autre pour amortir les frais… mais (presque tous) ses films me font envie.

Le casting et la campagne marketing y sont pour quelque chose certes mais au-delà de ça, il y a le pitch porteur de destructions massives, d’explosions, d’effets spéciaux bigger than life, en un mot comme en mille : de SPECTACLE ! De SPECTACLE SPECTACULAIRE même !

En allant voir un film du père Bay, on sait qu’on va en avoir pour notre argent niveau divertissement visuel. Ça va bouger, ça va péter, ça va rocker (c’est pas un film franchouillard parlant de cul et de cocufiages dans une chambre de bonne à Paris si vous voyez ce que je veux dire).

Mais le gros problème de ce genre de film est compréhensible par la métaphore du cadeau de noël :

Imaginez-vous dans une superbe ambiance (neige incluse à l’extérieur), devant un immense sapin, à découvrir vos cadeaux. Et là, parmi tous les petites babioles emballées à l’arrache avec du papier journal, il y a cette merveille : LE cadeau.

Enorme, carré, robuste, brillant, enroulé d’un ruban rose flashy et surplombé d’un magnifique nœud. Votre cœur ne fait qu’un tour, vos yeux sont envoûtés. Un seul désir parcourt votre colonne vertébrale : tirer sur le ruban et soulever le couvercle ! D’ailleurs, c’est ce que vous faites. Et là, ça se complique.

Déjà, l’ensemble est si léger que la traction, au lieu de défaire le nœud, déplace tout le paquet. Ensuite, le nœud s’avère être un truc posé et collé rapidos sans être issu du ruban. Et pour finir, après avoir retiré le couvercle, vous découvrez… un grand vide. Rien, nothing, nada, si ce n’est une sale odeur et un peu de poussière.

Voilà ce qu’est un film de Bay : Un super paquet pour un cadeau vide.

Mais année après année, cadeau vide après cadeau vide, vous gardez espoir et continuez d’avoir envie de regarder à l’intérieur… Même au bout du septième (long métrage du bonhomme) et que vous avez commandé une paire de superbes Transformers issue tout droit de votre enfance… vous obtenez un paquet avec un beau papier à l’effigie des héros !!! Mais l’intérieur est toujours aussi vide…

Michael Bay réalise des films de parc d’attraction. Mais autant c’est jouissif lors d’un ride de 5/10/15 minutes allant droit au but, autant c’est lourdingue quand c’est étiré sur 2 plombes.

Bref, bref, Armageddon, c’est ça :

Ça claque !

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Ça pète !!

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Ça explose !!

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Ça déchire !

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Ça pulse !

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Mais au-delà de toutes ces belles images à la photographie léchée, il ne reste qu’un trou noir.

Vous allez me dire : « Il est où le plan qui fait la différence ? »

Attendez encore une seconde, j’y viens.

Après tout, un bon gros ride bien foutu, même si c’est creux, ça peut le faire si c’est honnête. De l’action, rien de l’action, toujours de l’action. Je n’ai rien contre.

Mais l’honnêteté est un concept étranger à l’univers cocaïné de Bay.

Jugez plutôt :

A un moment du film, les gentils américains sauveurs du monde filent dans l’espace et atterrissent sur le vilain astéroïde au design flippant et réussi.

Mais arrive LE plan qui fait la différence (1h53m50s environ) :

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Vous ne voyez pas ?

Faisons un petit zoom alors.

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Damned ! Mais c’est de l’herbe et des pâquerettes !!! On est où là ? Dans les Alpes avec Heidi ???

Je vous rappelle que nous somme sur une sorte de gros rocher dans l’espace, que dans l’espace il n’y a pas d’oxygène et que sans oxygène, il n’y a pas d’herbe ni de fleur (entre autre).

Mais ça, le Bay, après son quatrième rail, il s’en balance. Il va même poser l’une de ses caméras pile devant !

Alors quoi, c’est un oubli ? Une erreur ?

Mon œil !!

C’est pas un film fauché Armageddon, loin de là ! Et avec son budget, ils auraient pu se payer un jardinier pour les faucher, ces pâquerettes !

Ce plan ne fait que prouver, si besoin est, que Michael Bay prend ses spectateurs pour des cons jusqu’au bout ! Ce type n’a même pas la décence de faire un travail soigné…

Une autre théorie laisserait croire l’énergumène tellement con qu’il ignore que l’herbe ne pousse pas dans l’espace (ce qui doit être le cas soit dit en passant), mais vu le nombre de personnes impliquées dans l’affaire, ça semble délicat.

Ou alors, tout le monde l’a vu (enfin, j’espère au moins que le monteur l’a vu !) et ce bon vieux Michael a sorti un truc du style : « What the fuck ! C’est tous des crétins les spectateurs ! Ils ne remarqueront jamais ça ! Laisse-le et viens nous retrouver à la piscine, j’ai un gramme qui n’attend que tes narines. »

Bah ouais… mais non…

Ce plan, c’est pas une erreur.

Ce plan, c’est une insulte.

X-Men

2008-11-12T20:00:00.000+01:00

PRISE : 012

FILM : X-MEN

DATE : 12 novembre 2008

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine est un bon film. Pas un chef d’œuvre, mais un bon film. Il parle de mutants sympas affrontant des mutants méchants alors que les non-mutants font dans leur froc en attendant que ça se tasse.

Il s’agit de :

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X-MEN est un film de superhéros (non, ce n’est pas un film sur des acteurs pornos, désolés mesdames) datant de 2000, réalisé par Bryan Singer sur un scénario de David Hayter et avec Hugh Jackman.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : X-MEN (IMDB)

Pour moi, l’intégralité du cœur de X-MEN, premier du nom (il existe à aujourd’hui deux suites dont un gros nanar avec le fabuleux « Nightman », private joke dont on pourra reparler à l’occasion…), se trouve dans son premier acte, avec la présentation des mutants et surtout leurs problèmes.

Ici, ce n’est pas vraiment un plan à proprement parler qui élève, pour moi, le niveau de l’ensemble de l’œuvre, mais une idée contenue dans un dialogue.

Nous sommes aux alentours de la 16eme minute du film…

Après avoir découvert quelques pouvoirs de Wolverine pendant un combat sur un ring, nous retrouvons notre héros dans son van déglingué dialoguant avec un autre mutant particulièrement intéressant s’étant incrusté : Malicia.

(Je me permets une petite parenthèse pour signaler aux francophones que « Wolverine » est le nom américain du héros alors qu’il s’appelle « Serval » en français mais que « Malicia » a conservé son nom français au détriment du « Rogue » anglais.

Les voies de la traduction sont impénétrables…)

Mais revenons à ce dialogue.

La jeune Malicia vient de confier son « problème » à Wolverine et aimerait en savoir plus sur le sien : ses griffes métalliques jaillissant de ses poings.

Voilà comment elle lance la question :

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Malicia : Est-ce que ça fait mal, quand elles sortent ?

Et Wolverine lui répond, sans même la regarder :

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Wolverine : Chaque fois oui.

Et oui, les superpouvoirs ont aussi de mauvais côtés et les superhéros peuvent connaître la souffrance ! Voilà une information capitale permettant de relativiser un peu et entraînant une identification plus forte avec le spectateur (qui n’a pas de super pouvoirs en règle générale). Grâce à cela, il est possible de comprendre le côté rebelle et paria des personnages.

En plus, vu qu’il n’aime pas ça, Wolverine ne les sortira certainement pas sans raison… de fait, la prochaine fois qu’on le verra faire, on saura qu’il est énervé ! Et là, ça risque de chier.

Voilà une particularité digne d’intérêt...

... malheureusement un tout petit peu oubliée par la suite.

Wolverine se permet même d'utiliser ses griffes pour les besoins d'un gag (assez réussi cela dit) en faisant un doigt d’honneur à sa façon :

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Mais je ne serais pas méchant vu qu'ils ont eu l'intelligente de poser ce gag lors d'une rentrée de griffe (les deux latérales avant la troisième) et pas une sortie.

En effet, s'il avait sorti uniquement sa griffe du milieu pour balancer un « fuck you » et seulement un « fuck you », le personnage en aurait beaucoup souffert.

Attention donc avec ce genre d'effet car... Un plan peut faire la différence.

Sunshine

2008-11-05T20:00:00.000+01:00

PRISE : 011

FILM : Sunshine

DATE : 05 novembre 2008

AUTEUR : bpfeuty

Cette semaine, je vous propose un plan extrait d'un film assez original, dans le fond comme dans la forme, j'ai nommé :

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Sunshine est un film de science-fiction psychologique réalisé en 2007 par Danny Boyle d'après un scénario d'Alex Garland avec Cillian Murphy, Michelle Yeoh, Chris Evans, Rose Byrne et Cliff Curtis.

Pour ceux qui ne connaitraient pas ce film et qui voudraient en savoir plus, voici un lien vers sa fiche IMDB : Sunshine (IMDB)

Sunshine relate l'aventure de huit astronautes assignés d'une simple et humble mission : rallumer notre Soleil mourant. Pour cela, ils ont embarqué dans un vaisseau spécialement conçu pour leur permettre de placer au cœur de l'astre lumineux une charge atomique afin de réactiver son noyau, sans même être certain que cela fonctionne.

Dis comme ça, ça à l'air con (on se souvient du malheureux Fusion (The Core) dans lequel une équipe est envoyée au centre de la Terre pour en réactiver le noyau…). Mais bien au contraire, le scénariste Alex Garland, utilise cette intrigue comme un prétexte pour s'interroger sur l'évolution psychologique des personnages face à cet isolement ainsi que sur les enjeux philosophiques, voire même mythologiques, d'une telle mission.

Afin de rendre les personnages plus proches et attachants, Alex Garland et Danny Boyle ont choisi une focalisation purement interne. Le film débute au moment où les occupants du vaisseau spatial perdent toute communication avec la Terre et ses habitants. La suite placera le spectateur au même niveau d’information que les personnages, seuls dans ce grand vaisseau paradoxalement froid, ignorant les conséquences du refroidissement climatique sur la planète Mère.

Et c'est là l'une des grandes forces du film.

Si vous ne connaissez pas ce film et envisagez de le voir, je vous conseille d’arrêter la lecture ici. Le plan dont je vais parler étant le dernier du film, j’en révèle sa résolution.

Mais le plan dont je vais vous parler ne se passe ni dans l'espace, ni dans un vaisseau spatial, ni dans le Soleil ou même à proximité de celui-ci. Mais, me direz-vous, d'où diable vient le plan dont nous sommes venus parler ici ? Et bien, il vient bel et bien de Sunshine.

Et c'est justement là le problème.

Lors d'un final spectaculaire, les protagonistes accomplissent leur mission, introduisent la charge nucléaire au cœur du Soleil (malgré les très nombreux et captivants imprévus du voyage) puis meurent (je vous avais prévenus que je révélerais la fin). En effet, survivre à une explosion nucléaire capable de rallumer le Soleil est une expérience que peu d'êtres humains auront le loisir de décrire, surtout s'ils se trouvent dans la bombe à ce moment-là.

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Le film aurait pu se terminer ainsi, respectant jusqu'au bout la focalisation interne et laissant le spectateur choisir si la mission a réussi ou non.

Au contraire, les auteur et réalisateur du film ont préféré montrer une dernière scène, se déroulant sur Terre, où même l'Australie est recouverte de neige. La famille d'un des astronautes se tourne vers le Soleil pour le voir, dans le plan final, soudainement intensifier son éclat.

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Le plan dans sa continuité

Alors que penser de cette dernière scène, et surtout de ce dernier plan ?

Assurément, celui-ci apporte énormément d'informations. Le Soleil se rallume effectivement puisqu'il nous offre une sorte de levé de lui-même en 10 secondes à peine sans changer de position dans le ciel. En arrière plan, le célèbre Opéra de Sidney est immédiatement reconnaissable. Il nous indique par extrapolation l'état glacière dans lequel doit être la Terre.

Enfin, et d'un point de vue purement cinéphilique, les monolithes au premier plan prouvent la reconnaissance des auteurs du film envers l'un de leur ainé ayant fait date dans le cinéma de science-fiction :

2001, l'Odyssée de l'Espace (S. Kubrick, 1968) versus Sunshine (D. Boyle, 2007)

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Mais le plan final de Sunshine pose également problème, pour différentes raisons.

Le vaisseau dans lequel nos huit astronautes voyagent vers le Soleil se nomme Icarus, d'après le célèbre héros mythologique qui est mort de s'être trop approché de l'astre lumineux. En baptisant ainsi l'astronef, les auteurs veulent nous rappeler la leçon de cette funeste histoire : à force de jouer avec le feu, on peut se bruler les ailes.

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Le vaisseau Icarus au moment où il porte le mieux son nom.

Or le dernier plan montre que de ridicules petits êtres ont réussi à se rendre maîtres du Soleil. Et cela aura très peu de conséquences négatives (relativement parlant). Contradiction importante à relever, me semble-t-il.

Plus important, ce plan casse la focalisation interne jusque-là respectée. Tous les personnages meurent sans savoir si la mission a réussi ou non mais les spectateurs se voient offrir le cadeau divin de pouvoir quitter le vaisseau pour connaître la suite. Quel n'est pas leur soulagement au moment où ils apprennent que tous les sacrifices accomplis devant leurs yeux ont eu un résultat !

Oui, je pèse mes mots, ce plan ne sert qu'à soulager le spectateur, rien de plus.

D'aucun mettrons bien entendu en avant l'optimisme du réalisateur s'exprimant par ce plan. Certes cette scène et son plan final ont été voulu par Danny Boyle a un tel point qu'il en a tourné une version cheap dans le parc en bas de chez lui avec son caméscope afin de montrer sa vision de la scène aux producteurs qui ont alors accepté de la financer.

Cliquez sur l'image pour découvrir la vidéo dans une nouvelle fenêtre

Ce n'est pas un secret, malgré les sujets souvent violents de ses films, Danny Boyle est un réalisateur optimiste amateur des happy ends. Il n'est donc pas étonnant que Sunshine se termine sur cette note positive, même après la mort de tous les personnages.

Mais, selon moi, le film avait déjà une fin et un message optimistes avant même cette dernière scène. Parce qu'à un moment donné, il faut regarder les choses en face : on parle de rallumer le Soleil !!! Même si l'extinction du Soleil était pour bientôt (en tous cas, pour environ 5 milliards d'années), il serait fortement improbable que cet état soit réversible. Et même si c'était le cas, il serait carrément impossible que cette solution soit matériellement réalisable.

Il ne s'agit donc pas tout à fait dans un film d'anticipation dans lequel l'évolution du monde à venir aurait une incidence sur ce que nous devrons faire pour orienter la civilisation dans la bonne direction.

Non, ce film traite en premier lieu des êtres humains, pas du Soleil. Que celui-ci soit rallumé ou non à la fin du film, peu importe, le notre est en parfait état de marche et nous le savons. Mais pendant tout le film et surtout sa dernière partie, nous avons vu des personnages croire en leurs actions et se sacrifier pour mener à bien une mission dont la finalité est très incertaine.

Observer une poignée d’êtres humains (même fictifs) donner leur vie pour éventuellement en sauver des milliards d’autres est bien plus porteur d'espoir que de savoir qu’il est possible de rallumer le Soleil en cas de besoin.

Lorsque l'on donne sa vie, la notion d'ignorance est selon moi la plus importante. On meurt pour la cause à laquelle on croit mais cette mort va-t-elle vraiment changer quelque chose ? Malgré ce doute, on va quand même agir. Et c'est en cela que l'idée de sacrifice est vraiment honorable.

En ajoutant cet épilogue, les auteurs ont préféré mettre la longévité du Soleil en avant, faisant passer les motivations du sacrifice au second plan. Celles-là même qui justifiaient en grande partie la focalisation interne et qui font la beauté de l'être humain.

Doom

2008-10-29T19:00:00.000+01:00

PRISE : 010

FILM : Doom

DATE : 29 octobre 2008

AUTEUR : O'Brian

Cette semaine je vous propose un plan extrait d’un nanar absolu (et oui, même les nanars peuvent se retrouver ici) avec un Rocher sur Mars affrontant des bestioles en plastoque, j’ai nommé :

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Doom est un nanar datant de 2005, réalisé par Andrzej Bartkowiak sur un « « « scénario » » » de Dave Callaham et Wesley Strick et avec Dwayne « The Rock » Johnson, un acteur bien connu pour la finesse de son jeu (que du bon quoi !).

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film (la majorité d’entre vous j’espère), voici un lien vers sa fiche IMDB : Doom (IMDB)

Doom, le film, est très librement inspiré d’un très bon jeu vidéo à vous faire faire caca dans votre petite culotte : Doom 3

Doom 3 est un F.P.S. : First Person Shooter

Un jeux de tire à la première personne dans la langue de Molière.

En gros, vous voyez ce que voit votre personnage (le décor, des « monstres » et le canon de votre flingue) à chaque instant grâce à ce que l’on appelle aussi une « caméra subjective ».

Mais voilà, un bon jeu vidéo fait rarement un bon film (la liste s’allonge d’années en années, merci Herr Uwe Boll !) et Doom ne sera (malheureusement) pas l’exception qui confirmera la règle.

C’est à se demander si les producteurs de cette daube ont déjà joué au jeu.

L’un dans l’autre, ils auraient mieux fait d’adapter littéralement le scénario de Doom 3 (le jeu vidéo) au lieu de l’adapter librement.

Allez, la seule surprise scénaristique digne de se nom arrive lorsque « Le Rocher » (Roulement de tambour pour blague à moins de deux balles : « dommage qu’il ne s’appelle pas Yves, ça aurait pu être la crème des acteurs ». Et oui, je me place au niveau du film critiqué...) pète un câble et se révèle être... le méchant du film !

Voilà, maintenant que je vous ai grillé le seul pseudo intérêt dramaturgique de la chose, vous pouvez éviter de le regarder pour ne pas perdre bêtement deux heures de votre si courte vie.

Mais alors me direz-vous… pourquoi je parle de ce truc ?

Tout simplement parce qu’il y a un plan, un unique plan, méritant un tant soit peu le détour (ne vous attendez tout de même pas à quelque chose d’incroyable, hein, on parle quand même d’un film d’Andrzej Bartkowiak !).

Et comme c’est un Nous en reparlerons dans un article à venirplan séquence, je ne vais pas vous présenter des captures d’écrans mais une vidéo (elle est pas belle la vie ?).

Avant de se jeter dessus, une petite explication pour tenter de la replacer dans le contexte du récit :

Après diverses crétineries vides de sens et même pas drôles (d’ailleurs, je ne vais pas vous mener en bateau avec du blabla vu que je ne m’en souviens même pas !), le valeureux Karl Urban (Mister « j’ai-que-deux-rôles-intéressants-dans-ma-carrière »… question subsidiaire, lesquels ?) tombe dans les pommes.

A son réveil, le film passe ENFIN en caméra subjective…

Enjoy :

Cliquez sur l'image pour découvrir la vidéo.

Voilà, c’est tout !

Un film sans aucun intérêt donc… si ce n’est cet unique plan séquence permettant de voir à quoi ressemblera les FPS dans quelques années (enfin, les FPS moyens... les bons seront bien mieux que ça !).

Spider-Man

2008-10-22T20:00:00.000+02:00

PRISE : 009

FILM : Spider-Man

DATE : 22 octobre 2008

AUTEUR : O'Brian

Cette semaine je vous propose un plan extrait du meilleur film avec une araignée super-héroïque sauvant New-York filmé à ce jour (je ne vais pas me faire beaucoup d’amis avec cette accroche mais j’assume…), j’ai nommé :

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Spider-Man est un film de superhéros datant de 2002, réalisé par Sam Raimi sur un scénario de David Koepp (ooouuuuhhhhhhh….) inspiré par un premier traitement de James Cameron (AAAHHHHHH !!) et avec Joe Virzi, Tobey Maguire, Willem Dafoe et Kirsten Dunst.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Spider-Man (IMDB)

Qu’on se le dise, j’aime beaucoup le premier Spider-Man… beaucoup moins le second… et encore moins le troisième.

Même si cette première œuvre doit beaucoup plus au traitement écrit par James Cameron qu’au script efficacement classique du surestimé David Koepp… sa réussite repose avant tout sur la réalisation inspirée et dynamique de Sam Raimi.

Enfin, ce n’est pas de ça que je veux parler ici…

Contrairement aux habitudes de cette rubrique, voici un plan qui peut, pour qui n’arrive pas à en faire abstraction lors du visionnage (comme je me le suis efforcé à chaque fois), foutre tout le film en l’air par excès de patriotisme absurde, cliché, débilitant et vomitif.

Vous le trouverez aux alentours d’1h40 de métrage, lors de la (pourtant intéressante) scène « du pont ».

Petite dissection de la scène se retrouvant sur le banc des accusés :

Nous sommes au cœur d’une scène d’action voyant s’affronter le Bouffon Vert et Spider-Man sous un pont. Mary-Jane est en danger, des mômes sont en danger, c’est très tendu pour notre araignée qui est à deux doigts d'échouer dans sa tentative de sauvetage.

Histoire d’être clair, voici un plan large montrant que personne n’est sur ce putain de pont (si ce n’est quelques voitures).

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Et bing ! Le Bouffon Vert, qui allait donner le coup de grâce à Spider-Man se prend un truc sur le coin de la gueule !

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Un truc balancé par…

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L’intégralité de la ville de New-York !!! (Entre ce plan présentant le pont rempli et le précédent où il était vide, seules quelques secondes se sont écoulées...)

Ils sont tous venus, comme un seul homme, sauver la peau de Spider-Man ! Et pour y aller à coup de massue au cas où le spectateur crétin n'aurait pas pigé, le porte parole officiel (et voici donc LE plan que fait la différence)…

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… cet espèce de gros connard encore plus bouffon que le Bouffon (c’est certainement le bouffon blanc d’ailleurs), sort la réplique la plus indigeste depuis des lustres :

(VO) You mess with one of us, you mess with all of us.
(VF) T’en prendre à l’un d’entre nous c’est comme t’en prendre à tout le monde !

Une honte…

L’acteur venu cachetonner dans ce blockbuster (et les autres Spider-Man d’ailleurs) s’appelle Joe Virzi et histoire de bien le griller, voici sa Répliquedemerde-Manfiche IMDB.

Alors, est-ce un rajout de dernière minute pour faire bien après le 11 septembre ??

Possible… désespérément et fortement possible.

Enfin, je l’espère dans un sens.

Mon estime envers David Koepp n’est déjà pas bien haute, mais s’il avait écrit ça avant, elle chuterait comme les tours jumelles (ou, si vous préférez, comme Bud descendant au plus profond des entrailles de l'Océan dans Abyss du talentueux James Cameron).

Je vous rappelle au passage que la toute première bande-annonce présentant un casse (ressemblant fort à une pub pour téléphone portable Michael Bay style soit dit en passant…) et se terminant sur un très beau plan de la toile de l’araignée tissée entre les désormais térrorisées Twin Towers fut tout simplement « oubliée » et demeure interdite de bonus DVD.

Les cons.

Allez, en guise de bonus, en voici une version récupérée à l’arrache sur You-Tube :

Cliquez sur l'image pour découvrir la vidéo dans une nouvelle fenêtre

Et pour la route, un petit... QUIZ !!!

Question :

Où se termine le patriotisme et où commence la connerie ?

...

Réponse :

Au bout d'1h40 dans Spider-Man.

The Bourne Ultimatum

2008-10-15T20:00:00.000+02:00

PRISE : 008

FILM : Bourne Ultimatum

DATE : 15 octobre 2008

AUTEUR : Zegatt

Le film sélectionné pour cette semaine est un mélange de complot et de meurtres, le tout parsemé de réalisme et de modernité.

Il s’agit de :

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The Bourne Ultimatum (La vengeance dans la peau en VF), troisième volet de la saga autour de Jason Bourne, est un film d’espionnage mêlé à du thriller. Avec Paul Greengrass à la caméra, il est signé Tony Gilroy, Scott Z. Burns et George Nolfi au scénario, d’après un livre de Robert Ludlum. Sur les écrans des salles obscures en 2007, l’affiche regroupe Julia Stiles, David Strathaim, Joan Allen et Matt Damon.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici la fiche IMDB du film : The Bourne Ultimatum (IMDB)

Entre vingt et trente ans après les livres, la trilogie autour de l’espion amnésique Jason Bourne (incarné par Matt Damon) a opté pour inscrire l’histoire dans le présent plutôt que de se montrer fidèle aux livres. Le Jason Bourne littéraire de la Guerre Froide devient un Jason Bourne cinématographique ancré dans le XXIème siècle, le terrorisme et l’assassinat politique.

C’est au cours des vingt premières minutes du film que Jason Bourne se retrouve à la gare de Waterloo, à Londres, pour rencontrer Simon Ross, un journaliste détenteur d’informations à son sujet. Durant cette scène, les agents de la CIA qui suivent le journaliste en question tentent de garder le contact – visuel et auditif – avec celui-ci. L’occasion pour le réalisateur Paul Greengrass de nous plonger dans sa vision de l’espionnage et du monde contemporain.

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Avec l’habileté qu’il a déjà su démontrer dans Vol 93 ou Bloody Sunday, Greengrass aligne les plans à un rythme implacable. Waterloo se partage entre les caméras de sécurité, la foule massive et les deux personnages qui traversent la gare. L’univers dans lequel nous évoluons est technologique. La technique est un prolongement de l’humain, en l’occurrence des agents de la CIA qui recherchent Bourne et Ross.

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Et si Bourne est dangereux, ce n’est pas le cas de Ross. Or, la bête traquée, c’est lui. Lui, le citoyen lambda dont la seule erreur est d’être trop curieux. La machine étatique devient le prédateur avec pour proie le luxe d’un choix infini : ses propres citoyens.

Le rapport est vite établi. Le pouvoir de ce XXIème siècle n’est plus une affaire de force. Le pouvoir, c’est l’information. Connaître pour maîtriser, connaître pour dominer. L’espionnage n’a plus sa place dans les bureaux ou au cours des festivités nocturnes organisées par les grands de ce monde en costume trois pièces, propres sur eux et cravates bien ajustées. L’ère de James Bond est révolue. Le martini au shaker retourne au réfrigérateur et le Walther PPK fini au musée.

L’ennemi, cela peut être n’importe qui. Dès lors, l’espionnage peut descendre dans la rue. Il traque toujours autant, si ce n’est plus. Ses méthodes se sont améliorées, sa surface d’action a décuplé. La caméra est là, qui observe ; Big Brother s’est incarné pour de bon.

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Le citoyen est présumé coupable, il est enregistré, suivi, surveillé, archivé. Une seule possibilité s’offre à lui pour tomber dans l’anonymat, solution qu’emploie Jason Bourne pour déjouer la filature de la CIA : se fondre dans la masse. Ce n’est qu’au prix de la perte de son individualité, de sa propre personne, que l’on cesse d’être l’objet d’un contrôle. Je cesse d’exister pour moi, donc je cesse d’exister pour les autres. Non cogito, ergo non sum. La formule de Descartes reste vraie, mais inversée.

Mais, une seconde… Cette caméra que nous voyons à l’écran, elle est elle-même filmée par celle que manipule Paul Greengrass. Et par cette habile mise en abîme, c’est finalement lui, le réalisateur, qui a le dernier mot.

Il nous rappelle que tout est mensonge.

Ghostbusters

2008-10-08T14:00:00.000+02:00

PRISE : 007

FILM : Ghostbusters

DATE : 08 octobre 2008

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine parle de fantômes, de revenants, de morts-vivants, d’apocalypse, de femme transformée en chien et même d’un couguar invité à une fête mais reste accessible à un très large public. J’ai nommé :

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Ghostbusters (ou S.O.S. Fantômes dans la langue d'SOS RacismeHarlem Désir) est une comédie fantastique datant de 1984, réalisé par Ivan Reitman sur un scénario de Dan Aykroyd et Harold Ramis (avec la participation de Rick Moranis) et avec notamment Bill Murray, Dan Aykroyd, Sigourney Weaver et Harold Ramis.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Ghostbusters (IMDB)

Ghostbusters est l’un de mes films préférés. Je me souviens encore de ma première vision lors de sa sortie en salle avec ma bande de potes. Dire qu’il m’a changé n’est pas faux. J’en rêvai, Ivan Reitman et SA bande de potes l’ont fait !

Des effets spéciaux incroyables (ILM au zénith), un humour d’une finesse extrême porté par des dialogues automatiquement cultes, des fantômes, des positroneurs désintégrant et… et… des passages horrifiques dignes d’un film pour adultes…

Alors… Ghostbusters, film tout public ?

Assurément OUI ! Et au sens littéral du terme !

Souvent les films se contentent de s’adresser à une seule classe de spectateurs. Soit c’est pour les mômes et là, c’est totalement gnian-gnian, soit c’est pour les adultes et là, les mômes décrochent. A croire que certains producteurs sont persuadés qu’il est impossible de parler à tout le monde en même temps dans un seul et unique film.

« Vous comprenez ma petite dame, ce genre d’image est incompatible avec les yeux de votre enfant. Beaucoup trop chargée d’adrénaline, beaucoup trop horrifique, beaucoup trop connotée sexuellement. Et que dire de ces dialogues remplis de doubles sens ?

Non, vraiment, il ne devrait pas regarder ça sinon sa vie sera perturbée et son psychisme désorienté. Il deviendra psychopathe ou violeur ou les deux en même temps et tirera sur tout le monde avec des pistolets ou bazookas ou les deux en même temps.

Allez plutôt voir ce film spécialement conçu par nos meilleurs scénaristes formatés à écrire des œuvres accessibles selon notre cahier des charges étudié par les meilleurs psychologues enfantins, vous ne serez pas déçue. »

Ouais… mais non.

Les enfants peuvent supporter des dialogues à double sens qu'ils ne saisiront de toute façon pas mais feront marrer les parents. (Attention, je n'ai pas dis vulgaires mais plutôt métaphoriques !)

Dans un même ordre d'idées, ils peuvent supporter des images fortes et horrifiques (Attention, je n'ai pas dis violentes ou choquantes !) SI, et seulement SI, c’est habilement dosé dans une bonne histoire.

Et justement, Ghostbusters en est un très bon exemple.

Jugez plutôt…

Lorsque notre joyeuse équipe de futurs chasseurs sont confrontés pour la première fois à un vrai fantôme, voilà ce qui se passe :

Premièrement, nous avons un plan sur une vieille dame flottant dans une bibliothèque. Ça, c’est bon pour tout le monde.

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Mais quand elle se transforme, elle le fait en une fraction de seconde et devient ça :

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Et croyez-moi, cette image digne d’un film d’horreur de l’époque a fait sursauter plus d’un môme comme moi ! Frissons garantis !

Un peu plus loin, nous avons une nouvelle scène pouvant trouver sa place dans un film d’horreur. La très très très charmante Danna (Ahhh Sigourney…) est chez elle et vient de téléphoner à sa mère quand :

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Il se passe des choses derrière cette porte. Il ne faut surtout pas l’ouvrir ! De ce côté, Danna est en sécurité…

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Admirez l'effet « porte mole » très usité dans les films d’horreur de l’époque.

Mais voilà ce qui arrive :

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Des bras monstrueux jaillissent du fauteuil et étouffent la belle.

Et quand la porte s’ouvre, c’est pour montrer...

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... une bestiole aux yeux rouges loin d’être funky attendant dans la fumée.

Danna ne peut rien faire :

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Bon sang, elle était si gentille…

Mais ce n’est pas terminé. Ce film propose aussi, lors d’un plan très court, un zombie bien flippant (Je vous rappelle que nous sommes en 1984) :

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Ce chef d’œuvre sait aussi être sexuellement explicite… sans jamais être vulgaire.

Comment ne pas montrer la magnifique Sigourney ? (Pour moi l’un des fantômes les plus sexy du répertoire...)

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Ou le plan sur le pantalon de Dan Aykroyd alias Ray Stantz :

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Non, ce film est loin d’être gnan-gnan et ne ménage pas les petits n’enfants qui sont parfaitement capables de supporter un peu d’horreur et d’avoir peur… du moment que la morale reste sauve !

Ce qui est le cas ici, bien évidemment... (contrairement à des merdes comme « Le monde de Narnia » par exemple… On en reparlera à l'occasion d'un nouvel article...)

Un récit change de catégorie lorsque le personnage central, le « héros », est violent et/ou commet des actions négatives ou critiquables. A partir du moment où il est nécessaire de prendre du recul pour comprendre l’œuvre, il faut élever le cœur de cible (un film comme Scarface par exemple est clairement pour adultes).

Dans Ghostbusters, les « héros », les personnages identifiants, sont tous positifs. Ils sont certes parfois roublards et luttent contre certaines règles de la société mais ne font rien d’éthiquement critiquable. Leur objectif global est de « faire le bien » et sauver la ville de New York d’une invasion de fantômes.

La morale est donc sauve et « tout public ». Les quelques images horrifiques ou potentiellement traumatisantes ne changeront pas la donne.

Conclusion : Essayez donc de réfléchir au sous-texte porté par les images plutôt qu’aux images elles-même, ça ne sera pas une mauvaise chose…

The Matrix

2008-10-01T11:00:00.000+02:00

PRISE : 006

FILM : Matrix

DATE : 01 octobre 2008

AUTEUR : bpfeuty

Cette semaine, je vais vous parler d'un film très important pour moi. En fait, LE film le plus important pour moi, car c'est ni plus ni moins le film qui a totalement et radicalement changé ma façon de regarder les films et ma conception du cinéma. Rien que ça.

Il s'agit aussi de mon film préféré, pour ces raisons et plein d'autres. J'ai nommé :

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Matrix (ou The Matrix en VO – on a connu de bien pires traductions) est un film de science-fiction philosophique et d'action écrit et réalisé par les frères Wachowski en 1999 avec Joe Pantoliano, Carrie-Anne Moss et Hugo Weaving.

Pour ceux qui ne sauraient pas qu'il faut choisir entre la pilule bleue (non, pas celle qui fait un tabac mais que personne ne prend) et la pilule rouge, il n'y a qu'à suivre le lapin blanc IMDB

Les frères Wachowski sont d'excellents réalisateurs qui savent très bien utiliser une caméra, que ce soit pour faire des plans extraordinairement spectaculaires ou des plans qui ont du sens. Et parfois les deux en même temps.

Mais le plan dont je vais vous parler ne fait pas partie de ceux-là. Certes il est spectaculaire, d'une certaine manière, et il a du sens mais seulement parce qu'il montre quelque chose de spectaculaire et qui a du sens et non par sa complexité ou sa composition. C'est un simple plan fixe, composé symétriquement.

Le voici :

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Intéressons-nous d'abord à la façon dont il agit sur le spectateur lors de sa première vision du film puis nous développerons ensuite son sens profond.

Le début du film se passe dans une grande ville américaine, qui pourrait être n'importe quelle métropole des Etats-Unis. Et comme dans chacune d'entre elles, il y a des immeubles, des boites underground, des punks qui fuckent le système, des flics et des Agents au service du système. Une ville de film d'action tout à fait banale.

Assurément, nous sommes aussi dans un film de science-fiction, donc quelques petites choses étranges s'y déroulent :

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Mais ce ne sont après tout que quelques petits éléments étranges dans un monde que l'on connaît et dont on connaît les règles.

Même quand on a une culture SF très limitée (comme c'était mon cas lorsque j'ai découvert ce film), ces quelques éléments surprenants nous intriguent mais ne nous ébranlent pas plus que ça. Nous sommes confortablement assis dans nos sièges, en terrain conquit.

De plus, depuis le début, un énergumène n'arrête pas d'expliquer par téléphone au héros que le monde qu'il connaît n'est pas le monde réel. Alors, le spectateur sait que les choses bizarres qu'il voit ne font pas partie du monde réel.

D'autre part, notre héros a un problème particulier : très souvent, il se réveille en sursaut dans son lit alors que l'instant d'avant, il se trouvait dans un tout autre endroit et était loin de dormir. Peut-être simplement un effet de montage. Peut-être pas.

Le spectateur émet vite une hypothèse : Et si cet homme passait du monde réel au monde irréel à chacun de ses réveils ?

Cela expliquerait beaucoup de choses.

Puis le héros rencontre l'énergumène du téléphone qui lui propose de faire un choix : la pilule bleue ou la pilule rouge.

La première lui permet de garder sa petite vie tranquille et la seconde de connaître la vérité. Le protagoniste fait le choix de la vérité, expérimente le stade freudien du miroir d'une manière on ne peut plus littérale et cut sur (enfin presque, on ne va pas chipoter, tout de même) :

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Le héros se réveille là-dedans. Compte tenu de ce qu'on a vu avant, c'est peu compréhensible. Est-ce d'ailleurs vraiment le héros ? Difficile de le reconnaître mais oui, c'est bien lui. Toutes les certitudes du spectateur volent en éclat, sa théorie avec. Peut-être était-elle complètement fausse…

A partir de ce plan, l'arrogance du spectateur, se croyant omniscient, est sérieusement mise à mal.

Les plans et la scène qui suivent prouvent une chose : le monde se déroulant devant les yeux du spectateur lui est désormais totalement inconnu.

A partir de ce moment, tout est possible ; il n'y a plus aucune base solide sur laquelle se reposer pour comprendre ce qui se passe. Tout ce qu'il reste à faire, c'est d'attendre les informations qui seront données au spectateur en même temps qu'au héros.

Ce procédé permet de captiver l'attention du spectateur, toujours à l'affût de la moindre information qui pourrait lui permettre de comprendre ce qui se déroule devant ses yeux. Il ainsi est plus ou moins dans le même état d'esprit que le protagoniste.

De cette manière, le spectateur expérimente lui aussi et à son niveau la remise en cause de ses certitudes, tout comme le héros. Ceci permet de comprendre plus précisément les sensations du protagoniste et, par conséquent, d'accentuer l'empathie envers ce dernier.

Mais l'identification du spectateur va encore plus loin.

Avant de se retrouver dans la situation que nous venons de voir, le héros a dû faire le choix de connaître toute la vérité, rien que la vérité et a expérimenté l'épreuve suivante :

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Il se regarde dans un miroir qui va progressivement l'envelopper complètement ; c'est ainsi qu'il passe du virtuel au réel, de la fiction à la réalité ; de l'autre côté du miroir.

Et il se retrouve donc pleinement conscient de son état réel : un corps apathique dont le cerveau est branché sur un monde virtuel et idyllique (comparé au monde réel du film).

Le spectateur est ainsi pleinement renvoyé à sa propre condition, lui-même étant assis dans une sombre salle de cinéma à regarder un monde fictif : le film. C'est donc à son tour de se contempler dans un miroir. Pour cela, il n'a qu'à regarder l'écran :

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Un rapide coup d'œil à sa gauche et autour de lui prouvera qu'il est bel et bien dans le même état que le personnage avec lequel il s’est identifié, car tous deux sont entourés de leurs congénères immobiles et branchés sur un monde virtuel :

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Métaphore d’une salle de cinéma selon les frères Wachowski ?

C'est donc bien plus qu'une identification qui s'opère ici puisque le spectateur est amené à se regarder lui-même et à prendre conscience que peut-être, à force d'être plongé dans des écrans de cinéma, de télévisions et d'ordinateurs, vit-il également dans un monde virtuel.

Mais au-delà d'une identification exacerbée, c'est également une représentation de ce que cherche principalement le spectateur dans une fiction : le reflet de soi-même. Est-il possible d'aimer un film qui ne nous représente pas un tant soit peu dans son propos, dans son esthétisme ou dans les sentiments qu'il évoque ?

The Natural

2008-09-24T11:00:00.000+02:00

PRISE : 005

FILM : The Natural

DATE : 24 septembre 2008

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine parle de baise, de boules et de grosses battes mais n’est pas interdit aux moins de 18 ans. Il s’agit de :

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The Natural (ou Le Meilleur dans la langue d’Alain Delon) est a priori un film de sport datant de 1984, réalisé par Barry Levinson sur un scénario de Roger Towne & Phil Dusenberry d’après un roman de Bernard Malamud et avec Robert Redford.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Le Meilleur (IMDB)

Le meilleur aurait pu être un film de sport comme les autres, avec son héros déchu revenant plusieurs années plus tard pour prendre sa revanche sur la vie et montrer qu’il est toujours « le meilleur » en remportant un match super important sous les feux d’artifice.

D’ailleurs, c’est exactement ce qu’il est tant ce pitch colle plutôt bien à l’ensemble de l’histoire.

« exactement » ?

Non, pas vraiment…

Un passage, une idée, un « plan » change la donne. Grâce à lui, le film s’élève à un niveau iconique, voir mystique, limite superhéroïque.

Ce fameux plan, c’est celui-ci :

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A la quatrième minute du métrage, un arbre se fait foudroyer en plein milieu de la nuit sous les yeux d’un enfant : le futur protagoniste, le futur... « Robert Redford ».

Cet incident déclencheur est aussitôt suivit d’un autre plan, celui-là :

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L’arbre n’a pas pris feu. La nuit n’est plus menaçante, au contraire, elle se calme.

Pourtant, le cœur de l’arbre reste incandescent.

Petite traduction personnelle : l’important se trouve à l’intérieur des choses (des êtres). Même après avoir subit un choc aussi important que la foudre, s’il reste toujours un cœur qui bat, il reste de l’espoir, de la force.

Seulement voilà… Si ce cœur n’est pas réactivé, sculpté, il ne donnera rien.

C’est à cet instant qu’intervient l’enfant, témoin de la scène, et accessoirement fan de Baseball.

A votre avis, que va-t-il faire ?

Les gagnants à la question précédente auront répondu :

« Utiliser le bois touché par la foudre pour se sculpter une batte de Baseball. »

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La fameuse batte de Baseball «Wonderboy» : «L'enfant miraculeux»

La foudre, c’est un peu le hasard mais surtout « Dieu » (et plus particulièrement Zeus). Je ne veux pas dire que cet évènement colporte obligatoirement un message chrétien (même s’il y a un peu de ça ici) mais simplement que ce film suit une bonne partie du Lien WikipediaVoyage du Héros comme beaucoup d'oeuvres avant et après lui.

Tout héros, à un moment ou un autre de sa quête, obtient un objet magique (souvent une arme magique), généralement fournit par les Dieux, qui l’aidera dans la suite de ladite quête.

Le Meilleur fonce dans cette voie tête baissée. En laissant la foudre offrir à un enfant une batte de Baseball (« magique » ?? oui, un peu quand même…) lui permettant d’envoyer sur orbite toutes les balles sliçant dans son périmètre, le film de Barry Levinson met un pied dans le conte.

Je ne vais pas étudier ici toute la symbolique contenue dans ce film mais juste évoquer quelques éléments significatifs de mon point de vue :

(attention spoilers !)

Vous pourrez y observer ce ~~messie~~ héros :

- ~~prouver~~ montrer à ses congénères ses ~~pouvoirs~~ capacités,

- se faire ~~crucifier~~ tirer dessus en partie à cause ~~de Judas~~ d'une femme mais aussi par jalousie (et alors qu'il est amoureux d'une autre),

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L'Ange en blanc et la Tentatrice en noir

- ~~ressusciter~~ retrouver la forme 16 années plus tard,

- ~~revenir parmi les mortels~~ réintégrer une grande équipe de Baseball,

- ~~convaincre les plus sceptiques~~ prendre sa revanche en remportant un match ~~mythique~~ difficile (où son arme sera brisée),

- ~~recevoir la bénédiction du ciel~~ faire un home-run si puissant qu’il explosera un panneau d’affichage et déclenchera un véritable feu d’artifice provenant des hauteurs du grand stade...

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Knight signifie Chevalier

- ... et j'en passe.

Tout ce qui est barré ici s’appelle le « sous-texte » :

L’invisible véhiculé par le visible, le suggéré et non le montré, la signification derrière l’action.

Regarder un film c’est aussi accepter de se faire manipuler et le sous-texte fait partie du jeu. Il permet d’obtenir des histoires comportant plusieurs niveaux de compréhension et éviter d’avoir un récit trop plat. Reste au spectateur à faire l’effort de le découvrir… même si la perception du sous-texte sera fortement subjective (comme ici en partie).

Pour moi, le danger arrive lorsqu’un sous-texte échappe totalement à ses auteurs (on pourrait reparler d'Voir article annexeIndiana Jones IV par exemple). Celui du film « Le Meilleur » est totalement assumé et contrôlé (certainement revendiqué d’ailleurs), ce qui rend l’effet inoffensif. Après-tout chaque scénariste ou réalisateur a le droit (et même le devoir) d'exprimer ses propres convictions via son film.

A vous de voir ensuite si vous y adhérez.

Alors « Le Meilleur », film de sport ?

Oui, mais pas « que »…

Indiana Jones et le Royaume du Crane de Cristal

2008-08-26T20:00:00.003+02:00

PRISE : 004

FILM : Indiana Jones et le Royaume du Crane de Cristal

DATE : 26 aout 2008

AUTEUR : bpfeuty

Cette semaine, c'est à mon tour de vous proposer un plan qui change tout. Et il est extrait d'un film qui fut très attendu et qui a beaucoup déçu. J'ai nommé :

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Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal (Indiana Jones and the Kingdom of the Crystal Skull en VO, quel joli nom) est un film d'aventures, d'images de synthèse et de marmottes datant de 2008, réalisé par Steven Spielberg sur une gribouille de David Koepp et avec Harrison Ford (la plus grosse tête sur l'affiche).

Pour ceux qui auraient la chance de ne pas connaître ce film mais qui voudrait quand même en savoir plus, voici un lien vers sa fiche IMDB : Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal (IMDB)

Indiana Jones et le Royaume du Crâne de Cristal, au cas où vous l'ignoriez, est le quatrième opus d'une saga d'aventure cultissime. Alors certes, nous ne saurons jamais exactement ce qui fait qu'un film deviendra culte ou non (même pas la qualité : tous les bons films ne sont pas cultes et tous les films cultes ne sont pas bons) mais le fait est qu'un film devient culte notamment grâce à des détails (dialogue, scène, ou plan), des éléments marquants.

Lorsqu'un film culte a droit à une – ou plusieurs – suite (une vraie, pas un bidon de lessive fait pour laver notre petit cerveau qui a désespérément besoin de Coca-Cola ® pour vivre), ces éléments marquant deviennent des codes pour la saga, codes qui doivent apparaître dans chacun des films de la saga, bien entendu.

Dans le cas d'Indiana Jones, il y a de nombreux éléments qui reviennent dans chacun des films. Mais dans le cadre de cette étude (très sérieuse), je vais m'intéresser au début de chacun d'eux.

On commence logiquement par le premier, Les Aventuriers de l'Arche Perdue.

Le film s'ouvre traditionnellement sur la présentation du logo du studio produisant le film, en l'occurrence Paramount, puis un simple mais efficace fondu enchaîné fait apparaître une montagne de la même forme que la montagne Paramount. Mais il s'avérera très vite que cette nouvelle montagne fait en fait partie du décor de la scène d'ouverture du film. Ensuite, le héros apparaît devant la montagne. Il est parfaitement reconnaissable, même de dos :

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Trois ans plus tard, la suite, Indiana Jones et le Temple Maudit, arrive et le même procédé est utilisé pour ouvrir le film, sauf que la montagne est remplacée par une sculpture de montagne sur un gong. Et c'est ce gong qui fait partie du décor de la scène d'ouverture du film. Et ensuite, notre héros apparaît :

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Si si, c'est bien lui, sans chapeau, et on peut voir le fameux gong en haut à gauche de l'image.

Puis il faut attendre cinq ans pour voir Indiana Jones et la Dernière Croisade. Evidemment, le film s'ouvre sur le même procédé que les précédents, mais cette fois-ci, Indy a rajeunit (le Botox ® peut faire des merveilles) :

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Ainsi, comme vous pouvez le constater, chacun des trois films s'ouvre de la même manière : logo, fondu enchainé puis apparition du héros.

Puis les années passent et hop, on se retrouve dix-neuf ans plus tard confortablement assis dans un fauteuil devant un grand écran, entouré de centaines de personnes toutes excitées de retrouver si longtemps après leur héros préféré. Les lumières s'éteignent puis le logo apparaît :

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Tiens, ce n'est pas le même… Petite appréhension parce que ce logo précède déjà quelques films qui ont gâché le plaisir de retrouver un univers culte.

Mais très vite le spectateur se rassure car oui, le code a été respecté :

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Puis, en toute logique, suit l'apparition du héros :

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Après le Botox ®, les implants capillaires.

Le voilà le plan qui change tout. A ce moment-là rien n’est encore sûr, mais fondamentalement, quelque chose ne va pas : les années d'attente précédant la vision de ce plan ne seront peut-être pas récompensées à leur juste valeur…

Mais revenons à nos moutons (enfin… vous m'avez compris).

Ça serait donc lui, désormais, le héros, cette petite marmotte même pas réelle ? Réfléchissons un instant… Un héros est entre autre le personnage auquel le spectateur s'identifie ; or, en voyant l'image ci-dessus, le spectateur est quelque peu interloqué, tout comme ladite marmotte d’ailleurs. Supposons donc que cette marmotte est le héros de ce quatrième opus et continuons la vision du film.

Nous retrouvons très vite notre héros, accompagné de ses proches, et abasourdi de voir passer Indy à toute vitesse sur une fusée sur rails en plein milieu du désert :

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Devinez dans quel état est le spectateur à ce moment là ?

Puis il réapparaît. Il voit Indy, notre cher bon vieux Indiana Jones, et il a peur :

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Et à ce moment-là, le spectateur a lui aussi très peur en voyant son héros préféré ; il a peur de passer deux très mauvaises heures.

Et malheureusement, cette peur se confirme…

Non, plus sérieusement, bien sûr que le héros du film est Indiana Jones et voici le premier plan dans lequel on peut le reconnaître :

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Et ce plan en dit très long sur ce qu'il est devenu, il n'y a qu'à lire de gauche à droite : certes Indiana Jones est une star, il est connu dans le monde entier, même par ceux qui n'ont jamais vu un seul de ses films, mais maintenant, il n'est plus que l'ombre de lui-même* et à la botte du gouvernement américain, à qui il fait un salut amical.

Ce type qui ne vivait que pour l'archéologie et l'Histoire avec un grand H en essayant de ne pas en faire partie, se retrouve désormais dans l'Histoire et n'est plus capable de prendre du recul. Et ce n'est pas d'avoir évité de justesse l'explosion d'une Bombe H qui va l'aider à retrouver ses priorités d'antan…

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En tous cas, j’estime que George Lucas, David Koepp et Steven Spielberg ont réussi l'impossible : tuer un mythe.

Impossible ? Non pas vraiment.

En fait, c'est même tout le contraire. Ils ont tué ce mythe d'une manière très simple :

Le premier n'a pas voulu se prendre la tête à chercher un bon scénario (parce que sa patience atteignait ses limites et il commençait à manquer d'excuses pour sortir des produits dérivés).

Le second n'a pas voulu se prendre la tête à écrire un scénario trop compliqué et préféré rendre une copie où les aventures ne font que se suivre sans autre incidence majeure.

Le dernier n'a pas voulu se prendre la tête à attendre qu'un scénario valable soit pondu car tout ce qui l'intéresse désormais, c'est filmer (heureusement, il filme bien, tout n'est pas perdu).

Tuer un mythe n'est pas impossible. C'est au contraire très simple. Il suffit d'être paresseux.

* Les connaisseurs sauront qu'ici, je suis totalement de mauvaise foi.

Vendredi 13

2008-08-19T20:00:00.000+02:00

PRISE : 003

FILM : Vendredi 13

DATE : 19 aout 2008

AUTEUR : O'Brian

Cette semaine je vous propose un plan extrait du premier slasher d’une série prolifique dont l'icône est un type pas commode équipé d'un masque de hockey zigouillant tout ce qui drague aux environs de son lac, j’ai nommé :

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Vendredi 13 (Friday the 13th en VO) est un slasher (ou film d’horreur dans lequel le meurtrier tue principalement à l’arme blanche ses adolescentes victimes aux hormones en feu) datant de 1980, réalisé par Sean S. Cunningham sur un scénario de Victor Miller et avec Adrienne King mais aussi le jeune Kevin Bacon.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Vendredi 13 (IMDB)

Le premier Vendredi 13 est un film très moyen (pour être très gentil) mais qui rencontra un certain succès à sa sortie et surtout entraîna une saga bien Z mais parfois jouissive grâce à l’iconique Jason Voorhees, le croquemitaine de Crystal Lake.

Mais pourquoi diable un petit film d’horreur sans talent ni dollars et tourné avec d’illustres inconnus a créé un tel buzz ??

Je ne prétends pas détenir la vérité mais j’y vois plusieurs éléments de réponses :

Tout d’abord, un titre fort accrocheur qui se devait d’être déposé et posé sur un morceau de pellicule.

Ensuite, un twist assez savoureux (regardez le film pour en savoir plus ou regardez Scream de Wes Craven qui vous le grille dès les premières minutes).

Mais surtout, surtout (et là c’est moi qui vous grille totalement le film alors si vous comptez le voir un jour, levez-vous maintenant ou taisez-vous à jamais…), un jump shot final particulièrement réussit !

Un peu de vulgarisation ne faisant pas de mal, je me dois de commencer par expliquer ce qu’est un « jump shot ».

C’est une expression composée de deux mots anglais signifiants dans l’ordre « saut » et (en gros) « plan ».

Pour faire simple, il s’agit d’un plan (souvent de coupe mais pas obligatoirement) qui vous fera sursauter à coup sûr.

C’est super facile à réaliser, ça marche sur beaucoup de monde (mais pas sur tout le monde et généralement pas sur moi), ça ne coûte pas cher et beaucoup de mauvais spectateurs pensent que c’est ÇA, la peur au cinéma.

Que nenni !

Il s’agit juste un artifice facile et galvaudé se mariant bien avec le mot « cliché » et à utiliser en connaissance de cause, donc avec parcimonie.

Il ne faut pas bannir la communauté si importante des jump shots mais essayer de contenir sa prolifération pour le bien de l’environnement cinématographique car trop de jump shots tue le jump shot.

Petit exemple avec beaucoup d’indices vous permettant de repérer l’arrivée d’un jump shot :

Une jeune fille seule avec un décolleté généreux marche dans un couloir sombre en tenant un couteau à la main.

Il y a un tueur sanguinaire dans les parages et il a déjà découpé façon saucisse de Montbéliard 3765243 de ses meilleurs amis.

Elle approche d’une porte. Le volume de la musique du film chute dangereusement et devient quasiment inexistant si ce n’est une faible note qui dure et dure encore au loin.

La jeune fille panique lorsqu’elle avance sa main en direction de la poignée de la porte quand TOUT A COUP !!!

La musique vous exploses les tympans à coup de cordes tonitruantes et autres cymbales torrentueuses pour souligner le fait que, dans le dos de la jeune fille (je vous rappelle que votre regard était tourné devant elle, sur la porte) une main se pose sur son épaule !!

La jeune fille sursaute et pousse un cri bien aigu en gesticulant.

Les popcorns volent dans la salle, les midinettes ont mouillé leur culotte.

Lorsque la jeune fille retrouve ses esprits, elle se retourne pour découvrir…

… que c’était ce con de Billy, son 3765244eme meilleur ami !

Sacré Billy…

Retour à Vendredi 13 et son jump shot final réussi (celui-là) :

Plan large, bucolique à souhait et de jour du sympathique Cristal Lake après une nuit sanguinaire.

Est-ce un nouveau film ? La photographie est travaillée, le traitement musical totalement différent, la composition du plan est réussi, c’est même « beau ».

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Le plan suivant, celui que je désire mettre en avant dans cet article, est beaucoup plus proche et présente la survivante à moitié shootée sur son canoë, la main dans l’eau et le regard fuyant.

L’actrice joue comme ses pieds mais l’intérêt est ailleurs (heureusement).

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L’ensemble est posé et bercé par une musique toujours très calme quand TOUT A COUP !!!

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L’incroyable Jason nous montre son vrai visage horrifique (et très réussi) en bondissant hors de l’eau pour attraper l’imprudente et l’entraîner discuter avec les algues (et les autres cadavres) du fond du lac pour le restant de ses jours.

Evidemment, la musique change du tout au tout et aide au coté jump du shot.

S’en suit un gros plan de l’attardé mental…

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… pour rentabiliser le coût du maquillage.

A mon humble avis, ce film mineur doit une bonne partie (la majorité ?) de son succès à ce plan final fonctionnant au poil.

Sursaut garanti pour une bonne partie des spectateurs et sortie de la salle avec le sourire favorable au bouche-a-oreille.

« Tu vas voir, à la fin, tu vas super flipper ta race ! Trop bien le film ! :-) ;-) :-D ;-D »

Batman Returns

2008-08-12T20:00:00.000+02:00

PRISE : 002

FILM : Batman Returns

DATE : 12 aout 2008

AUTEUR : O'Brian

Cette semaine je vous propose un plan extrait d’un film qui resta longtemps le meilleur Batman filmé (jusqu’à l’arrivée du fabuleux The Dark Knight !), j’ai nommé :

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Batman Returns (ou encore Batman, le défi dans la langue de Dany Boon) est un film de superhéros datant de 1992, réalisé par Tim Burton sur un scénario de Daniel Waters & Sam Hamm et avec Michael Keaton dans le rôle titre.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Batman Returns (IMDB)

Cette oeuvre très Burtonesque comporte de nombreux plans intéressants mais, cette semaine, j’ai décidé de vous parler de son début, enfin… plus exactement de la première apparition de Bruce Wayne, alias Batman.

Difficile en effet de parler de « début » puisque le plan dont je vous parle est visible à la 12 minute du film. Ne cherchez pas, Batman n’apparaît pas avant. L’amour de Burton pour les monstres a encore parlé (même si son Batman aussi en est un mais c’est un autre débat)…

Mais en quoi ce début élève le film à niveau supérieur ?

A tous les coups, il apparaît debout, en contre-plongée, les bras croisés ou défiant les méchants de son doigt vengeur et justicier avant de les envoyer croupir à Arkham pour le restant de l’épisode !

Et bien…

NON !

Pas du tout, mais alors, carrément pas du tout.

Burton présente son héros de cette façon :

Une pièce luxueuse mais plongée dans l’obscurité.

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Y a-t-il seulement quelqu’un ?…

Puis LE plan dont je veux vous parler :

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Bruce Wayne est filmé en plongé, entre ombre et lumière, écrasé, dans ses pensées, en pleine réflexion… En un mot comme en mille : il se fait chier !!

Le personnage est complexe, torturé et en un seul plan, tout le background psychologique passe.

Cet homme combat le crime mais n’existe pas sans lui.

Quand tout va bien, Bruce Wayne va mal. Il est riche mais se sent inutile.

Au fond de lui, tout ce qu’il désire, sans oser se l’avouer, c’est qu’un nouveau super-vilain vienne foutre le souk à Gotham City.

A quoi serviraient tous ses gadgets contre des criminels de seconde zone ou des voleurs de poules ?

A rien.

Qu’on se le dise, Batman ne combat pas le petit banditisme mais le grand, le très grand même, le surréel, le démesuré !

Les véritables héros se révèlent lorsqu’ils ont des combattants à leur niveau.

Une autre petite chose : Batman ne veut pas roder dans la nuit à la recherche d’une proie ayant volé le sac de mamy.

Non. Batman veut être désiré, veut être utile, veut être appelé à la rescousse, veut être l’ultime recours quand la police ne suffit plus.

Et comment cela est-il possible ?

Avec le Batsignal évidemment !

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Bruce a désormais droit à sa contre-plongée, le regard bleu et droit, en pleine lumière avec derrière lui l’ombre du symbole de son alter ego : Batman.

L’aventure peut alors commencer…

Predator

2008-08-07T20:00:00.000+02:00

PRISE : 001

FILM : Predator

DATE : 07 aout 2008

AUTEUR : O'Brian

Le film sélectionné cette semaine présente la confrontation entre deux bêtes de guerre. L’une est humaine… l’autre pas. Il s’agit de :

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Predator est un film datant de 1987, réalisé par John McTiernan sur un scénario de Jim & John Thomas et avec Arnold Schwarzenegger.

Pour ceux qui ne connaîtraient pas ce film, voici un lien vers sa fiche IMDB : Predator (IMDB)

Predator peut allégrement monter sur le podium des meilleurs films de monstre(s) des années 80, voire même des meilleurs films de monstre(s) tout court.

Cet excellent film propose tout un tas de bons plans mais, pour moi, il y en a un carrément au-dessus des autres.

Il est facile à trouver vu que c’est quasiment LE plan final, introduit de cette façon :

Anna, la fille sauvée par le Major Alan "Dutch" Schaefer revient le chercher à bord d’un hélicoptère de l’armée accompagné par le boss de Dutch. Mais regardez son visage :

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Pas la peine de chercher, vous n’y trouverez pas de sourire. Ce qu’ils viennent de vivre fut hautement traumatisant (comme dans beaucoup de films similaires) et il n’y a pas de quoi sabrer le champagne.

Vous allez me dire « oui, mais ce n’est qu’une faible femme, rien à voir avec un bestiau comme Schwarzy ! ». Effectivement…

Sauf que voilà à quoi ressemble la bête de guerre sortie « « victorieuse » » de ce combat titanesque :

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C’est un Schwarzy cassé, psychologiquement touché, les yeux dans le vague et muet qui est présenté. Ce type vient de perdre ses amis et compagnons d’armes en plus de découvrir l’existence d’extra-terrestres. Ses conceptions du monde et de la guerre en sont totalement perturbées et, pour moi, jamais il ne s’en remettra. (Je pense même qu’il va devenir fou… mais j'extrapole un peu =^.^=)

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Imaginez le même final filmé par un crétin comme Michael Bay et produit par un type hautement cocaïné style Jerry Bruckheimer :

On y verrait Schwarzy posant héroïquement sur le champ de bataille en s’allumant son cigare du début, heureusement sain et sauf, tout en emballant la gonzesse avec une bonne main au cul et balançant une joke line style :

« T’aurais mieux fait de rester chez toi, pourriture (d’une autre planète ? d’un autre monde ? d’un autre pays ? d’une autre culture ? communiste ? terroriste ? etc. Faites votre choix…) » !

Tout le film, pourtant si bon, se serait effondré sur l’autel de la débilité patriotique en se foutant totalement de la cohérence psychologique des personnages…

Ça semble risible dit comme ça mais c’est exactement ce que la majeure partie des productions actuelles vous servent !

Heureusement, Predator est passé entre les mailles du filet…